sábado, 23 de agosto de 2014

Dúo Dinámico - Dúo Dinámico - LP - La Voz De Su Amo (1963)

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INFO:

En 1963 el formato long play era un auténtico artículo de lujo apto para pocos bolsillos jóvenes, y no tan jóvenes. El dúo publicó alguno de ellos, aunque lo que de verdad se vendían eran los EP.

En este LP encontramos una mezcla de canciones ya publicadas anteriormente con notable éxito, tales como “Eres tú”, “Pepe's clan” o “Amor de verano”, algún tema de fondo de armario perdido en alguna cara B como “Con sabor europeo” y otras, por fin, que no fueron nunca publicadas en formato pequeño.

Centrándonos en este último grupo, encontramos varios temas cuando menos curiosos. La bossa nova y otros ritmos de procedencia sudamericana hacían furor, como se decía entonces. El Dúo Dinámico grababa casi de todo y aquí nos encontramos con “El barquito” una bossa bien arreglada o con el ya citado “Limbo rock” con el que Chubby Checker quería llevarnos al Caribe tras su rotundo éxito con el twist.

De entre las pistas desconocidas compuestas por Manolo de la Calva y Ramón Arcusa, elegimos la romántica “Soñando”, en la que las voces de los dos alternan con un nutrido coro femenino encargado, al parecer, de darle un aire de irrealidad al tema.

En suma, un LP más que curioso, sobre todo por aquellos números absolutamente olvidados que el Dúo Dinámico aprovechaba para situar una mezcla de temas consagrados y otros que habían dejado fuera de sus discos pequeños. Algo se me viene a la cabeza al escuchar este disco y es la increíble capacidad de trabajo como intérpretes y autores de esta pareja determinante en el desarrollo de la música moderna española.

Fuente: Julián Molero - Lafonoteca




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viernes, 22 de agosto de 2014

Los Diablos - Que Suene Ya La Banda - LP Emidisc (1976)

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Los Diablos:

Emblemático grupo de pop español de los años 70, con numerosos éxitos que han llegado hasta nuestros días como “Un rayo de sol”, “Cantar y cantar”, “Fin de semana” y “Oh, oh, July”.

El grupo se formó en la localidad barcelonesa de Hospitalet de Llobregat originalmente con Agustín Ramírez (cantante) y Enrique Martín (guitarra) que formaron Los Diablillos del Rock hasta que se incorpora el quinteto definitivo Emilio Sánchez (batería), Amado Jaén (guitarra baja) Gianni Escavirri.

En 1968 son fichados por la discográfica Regal y graban sus primer single “Gracias amor” y en 1969 otros temas como “Sol, Amor Y Mar” y “En Casa De Tomas”. Pero Los Diablos no triunfaron hasta 1970 cuando sale a la luz el tema “Un Rayo De Sol” que logra vender cuatrocientas mil copias.

En 1971 reaparecen con “Fin de Semana” y “Me conformaré” y al año siguiente con “Niña de papá” y “Oh, oh, July”.

Los siguientes años siguieron cosechando éxitos: “Me Voy, Me Voy”, “Samba Eaio”, “Acalorado”, “Un Gramo De Felicidad” siguiendo la línea de temas alegres y veraniegos.

En 1977, cansados del éxito y de viajar decidieron separarse durante cinco años. En 1982, vuelven a unirse y a grabar nuevos temas que, de nuevo, volverían a encabezar las listas musicales del país.




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miércoles, 20 de agosto de 2014

Acuario - Acuario - LP RCA (1977)

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Acuario

La popularidad mediática ha sido aprovechada en numerosas ocasiones para emprender carreras musicales, por lo general endebles. De salida, la curiosidad está asegurada. Otro asunto es que las estrellas televisivas puedan luego convertir esa fama inicial en ventas de discos y galas. Un buen ejemplo de todo esto, es el trío Acuario, nacido de aquel mítico concurso “1,2,3, Responda Otra Vez”, que sirvió a lo largo de tres décadas de perfecto escaparate para humoristas, actores y estrellitas varias.

En 1976, en la segunda tanda de programas del mencionado concurso, coinciden entre otras las azafatas María Durán y Beatriz Escudero; una rubia, otra morena; una madrileña de Madrid, otra asturiana de La Felguera, las dos con incipientes carreras teatrales, las dos nacidas en el tiempo de acuario y con tipazos que quitaban el hipo. Junto a ellas, una cubana, Mayra Gómez Kemp, que trabajaba en el mismo programa como actriz de los breves sketchs de la subasta. Esta Mayra sí tenía experiencia como cantante en Estados Unidos y luego aquí con algunas comedias musicales. Otra azafata salida de aquel programa para hacer carrera como actriz y cantante, será Victoria Abril.

El palmito y la popularidad del trío logra llamar la atención de los directivos de RCA, donde editarán en el año 1977 un sencillo: “Rema, Rema, Marinero” (RCA, 1977) y un LP: “Acuario” (RCA, 1977), ambos producidos por Arcusa y de la Calva; es decir por el Dúo Dinámico. Aparecen en varios programas televisivos con vaivén de olas, vestidos largos con raja lateral que sube desde el pie hasta la cacha. Lo de menos es cómo cantaban, la cosa es enseñar pierna como principal argumento artístico. Sus canciones recordaban enormemente a otro grupo afín: Arena Caliente, pero con más carga melódica y menos copla. También se dijo de ellas que eran unas Grecas sofisticadas y que representaban como nadie el glamour de los 70.

Aunque hoy suena a petardeo, lo cierto es que aquel “Rema, rema, marinero” compuesto por Rafael Pérez Botija escala los primeros puestos del hit parade y pone al trío en radios y televisiones a todas horas. La explotación de la popularidad y belleza de sus componentes estaba funcionando. Su long play se vende mucho menos, pero de él salen temas muy escuchados como “Flor de viento, o “Eso es el amor”.

En 1978, Mayra abandona el trío para grabar en solitario con ese nombre. Es rápidamente sustituida por Elia Monteoliva. Con esta formación renovada son finalistas del Festival de Mallorca con una canción de sus mentores Manolo de la Calva y Ramón Arcusa: “Haz el Amor” (RCA, 1978). El disco aún se defenderá en el poco exigente mercado veraniego y vendrá seguido de un nuevo sencillo, el menos conocido de su carrera: “Samba de Amor” (RCA, 1978).

La popularidad y ventas del trío decrecen y sus componentes mantienen carreras paralelas como actrices. En 1979 hacen algunos bolos veraniegos y ante la indiferencia de su discográfica, sus actividades musicales van languideciendo. Ese año se marcha definitivamente Beatriz Escudero.

A finales de 1980, María Durán vuelve a relanzar Acuario, esta vez como un remedo de Baccara, junto a una nueva componente: la sevillana, Rebeca Vallejo. Como dúo grabarán; “Tú / Vale, Vale Ya” (Columbia, 1981). Tampoco dará en la difícil diana del éxito y Acuario desaparecerá poco después.

Durante los 80, Mayra Gómez Kemp se convertirá en la presentadora del famoso “Un, Dos, Tres”, puesto que ocupará por seis años y en varias etapas distintas. Antes se había encargado de presentar “625 Líneas” y más tarde encontraremos a una Mayra madura presentando en Antena 3 varios concursos: “La Ruleta de la Fortuna”, “Luna de Miel”, etc.

A Beatriz Escudero la podemos ver, casi siempre en pelotas, en muchas de las películas de Pajares y Esteso. Se retiraría del cine en 1984 e interpretaría al entrañable personaje de La Pelos en la última entrega del programa que la había visto nacer. En la década de los 90 trabajaría un tiempo en Antena 3 como ayudante de dirección y otros puestos técnicos.

De María Durán poco supimos hasta que en 2011 salió en un programa de corazón y bragueta pidiendo ayuda, pues literalmente estaba en la calle, arruinada y desahuciada. En el programa paso revista a una serie de relaciones con famosos personajes de la televisión y el deporte de los 70.

Acuario es un buen ejemplo de grupo formado por actrices que, explotan su popularidad y belleza, cantando temas compuestos ex profeso para ellas. Un trío musical en el que lo visual prima sobre lo musical y que, por tanto, es un producto de caducidad rápida, pero impactante durante un breve periodo de tiempo.

El Disco:

Un LP de portada sugerente construido aprisa alrededor de “Rema, Rema, Marinero” (RCA, 1977), que tan buen comportamiento comercial estaba teniendo aquel verano.

Pensado para las discotecas de entonces, el vinilo alberga versiones bailables de dos viejos temas hispanoamericanos: “Bésame mucho” y “Eso es el amor”, además de una tanda de canciones compuestas por los productores Manolo y Ramón, o sea el Dúo Dinámico de siempre. De entre esas canciones solo una posee luz propia: “Flor de viento”, que encabezaría el segundo sencillo del trío televisivo.

El resto, mucha insinuación, mucha doble intención y un poco de provocación por parte de estas chicas, unas veces con falda rajada y otras con shorts, pero siempre con las piernas al aire como principal reclamo visual y valor musical preponderante.

Fuente: Julián Molero - lafonoteca.net




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martes, 19 de agosto de 2014

Ramón Riva - Tal Vez Podría Ser (1983)

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Ramón Riva:

De biografía agitada y escandalosa en la España de los setenta, pero una de las voces más impresionantes entre los solistas de entonces.
Comenzó a cantar profesionalmente en 1964.

"Tú te vas", "Poema (Más que ayer)" o esta "Déjame ser quien te ame" son muestras claras de la tremenda calidad de un cantante al que solo le faltó continuidad.

Ramón Riva inició la escalada a la popularidad en 1974, cuando consiguió un tercer puesto en el festival de Benidorm con la canción Poema más que ayer, compuesta por Angel Melero.

Un año después se reafirmó con la canción Tú te vas, que fue uno de los mayores éxitos veraniegos. Sin embargo, a partir de ese momento, su carrera se oscureció.

La popularidad de Ramón Riva alcanzó su punto culminante en primavera de 1982, cuando fue detenido por la Policía, en Madrid, acusado de ser el responsable de una organización dedicada a la prostitución, que tenía su sede en un local de. citas que llevaba el sugestivo nombre de La manzana del paraíso. El cantante negó las acusaciones y afirmó que el dinero necesario para mantener el tren de vida que llevaba provenía del gran éxito de sus canciones en el mercado americano.

Finalmente falleció en un accidente de tráfico en su propio Mercedes, el 11 de Junio de 1986 ,en las afueras de Madrid, cuando su lujoso automóvil se salió de la carretera que une Colmenar Viejo con la capital.




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domingo, 17 de agosto de 2014

17 de agosto: “24 aniversario de la muerte de Bruno Lomas” - Bruno Lomas - Todas las Grabaciones Con Los Rockeros - EP's EMI REGAL (1965)

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INFO:

Emilio Baldoví Menéndez, más conocido como Bruno Lomas, falleció tal día como hoy en un accidente de tráfico en la A-7 hace 24 años. El rockero murió en un tramo de la autopista entre su domicilio en la Pobla de Farnals y Valencia. Conducía su Mercedes 250 y se dirigía a un concierto.

BRUNO LOMAS CON LOS ROCKEROS

La magia del 65. Su aterrizaje en el sello Regal-Odeón es providencial. En esos años grabar rock & roll en la casa Regal y su considerable nivel técnico, supone circular por autopistas y ver al resto de la panda hacerlo por vías secundarias. Y si a ello se une el excelente momento de compenetración entre grupo y solista el resultado es inmaculado, un brillante tour de force que muestra al cantante, acompañado por unos Rockeros de irreprochable precisión, disfrutar creando un sonido que se mueve entre sus raíces y los nuevos vientos que ahora vienen de Inglaterra, en esa gozosa confusión en que se movía tan cómodamente el pop hispano de la época. El catálogo de portentos ajenos hechos propios que más llega al público abarca desde el rock clásico de Chuck Berry (“Carol”, “Memphis Tennesee”) o Gene Vincent (“Be-bop-a-lula”, “Say mama” ) hasta el beat y el rhythm & blues de The Animals (un “House of the rising sun” sin órgano, “Don’t let me be misunderstood”) o The Searchers (“Sweets for my sweet”), aunque aparecen por primera vez espléndidos temas propios compuestos por el propio Bruno en clave beat como “Ahora sé”, “Es posible” o “ Anoche la vi”.

La distinción de Bruno fue lo enorme de su grupo de acompañamiento, los estupendos Rockeros. Capitaneados por el excelente guitarrista y compositor Joaquín M. “Cuco” Villanueva, y con Sento Bug, Pascual “Pipo” Cortés y Lucho Segarra (sustituido luego por el ex Rangers Gali Marcos), todos de la primera y mítica formación, empezaron como cualquier otro grupo instrumental nacional o europeo de esos años, imitando a los Shadows y reverenciando a Hank Marvin como el gran boss de la guitarra eléctrica. Con Bruno, desde la aventura gala hasta su separación en el 66, y en las estupendas grabaciones en solitario que comenzaron a editar al mismo tiempo que aparecían las del jefe, el grupo comenzó a mostrar atractivos atisbos de sonido propio que rezumaban aires mediterráneos y enérgica personalidad propia, lo que unido a la enorme sincronización con el cantante llegó a crear una de las asociaciones musicales españolas más productivas de la década prodigiosa.

Fuente: Melopopmusic




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sábado, 2 de agosto de 2014

Miguel Gallardo - Autorretrato - LP EMI/Harvest (1975)

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INFO:

José Miguel Gallardo Vera (Granada, España; 29 de septiembre de 1950 – Madrid, España; 11 de noviembre de 2005), fue un cantautor y productor musical español.

Fue uno de los cantantes españoles de más éxito en los años 1970 y los años 1980.

Miguel Gallardo nació en Granada, España, a los ocho años se trasladó con su familia a vivir a Barcelona, terminando la adolescencia ingresó a la Universidad de Ingeniería Técnica de Villanueva y Geltrú, simultáneamente estudiaba solfeo, guitarra y piano en el Conservatorio de Música de Barcelona.

En los años 1990 se retiró de la música para dedicarse a su empresa productora y editora Veramusic y dar oportunidad a nuevos talentos emergentes, entre ellos Azúcar Moreno y David Bustamante. Tenía proyectado retornar nuevamente a la música para el nuevo milenio.

Falleció en la Clínica Anderson de Madrid a la edad de 55 años, donde estaba ingresado a consecuencia de un cáncer, que según fuentes, se originó en uno de sus riñones.

Su carrera discográfica comienza como compositor de otros artista. Como cantante, sus primeros dos sencillos los lanzó bajo el nombre "Eddy Gallardo" en 1972 y 1973, respectivamente. En 1973 lanza otros dos sencillos más, esta vez con el nombre "Miguel Gallardo", el cual utilizaría el resto de su carrera. Durante 1974 lanza primeros sencillos que destacaron en el mercado, "Recordando a Glenn" y "Quédate", canción inspirada en el poema "Farewell" de Pablo Neruda con la que logra su primer número uno en España.

En 1975 lanza su primer gran éxito, "Hoy tengo ganas de ti" y luego, en este mismo año, lanza su primer álbum, Autorretrato, convirtiéndose en el primer artista español en ser distribuido por el prestigioso sello EMI-Harvest.

A partir de este momento se consolida en el mercado hispanoaméricano. Temas como Hoy tengo ganas de ti — la cual ha alcanzado más de dos millones en ventas y que ha sido versionada en otras lenguas como francés, inglés, portugués, chino, finlandés, griego —, Otro ocupa mi lugar, Gorrión, Y tú dónde estás, Saldré a buscar el amor, Y apago la luz ratifican su éxito.

En la década de los 80's lanzó varios álbumes que alcanzaron discos de oro y platino en la mayoría de países de habla hispana. Destacan canciones como Corazón, Tu amante o tu enemigo, Muchachita y Corazón viajero. Durante este período hizo continuas giras por España y Latinoamérica, actuando en lugares tan emblemáticos como el XXVI Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar de Chile en 1985, el Madison Square Garden de Nueva York y el Greek Theatre de Los Ángeles (California).

En 1988 lanza su álbum América, grabado en Los Ángeles. Ese mismo año fue nominado a los Premios Grammy por América.

En 1990 recibe el premio ACE (Asociación de Críticos del Espectáculo) de Nueva York, como el mejor cantante latino.

El disco 1+1=3 fue lanzado al mercado en 1990, el cual fue su último álbum.

Hacia mediados de la década de los 90, crea su propia editorial y productora musical denominada Veramusic, dedicada a buscar y lanzar nuevos compositores, autores e intérpretes. En junio de 1999 recibió de Sony ATV Music Publishing un Disco de Diamante por las ventas del catálogo de Veramusic en sus tres primeros años de existencia, en los cuales cuenta con canciones grabadas por artistas como Azúcar Moreno, Sergio Dalma, Ana Torroja (Mecano), Ana Belén, Alejandra Guzmán, Valeria Lynch, Lucero, Greta y Los Garbo, Mijares y Betty Missiego, entre otros. En julio de ese mismo año, recibió otro Disco de Diamante, por las ventas de las canciones escritas por Miguel Gallardo en esos años. También produjo el álbum Dando Guerra de Los Del Río.

Fuente: Wikipedia




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viernes, 1 de agosto de 2014

Los Mustang - Su Primer Album - Regal (1968)

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Los Mustang

Nada menos que seis años tardaron Los Mustang en poner en circulación su primer LP y, la verdad, es que no les hacía ninguna falta. Lo suyo eran las versiones urgentes de los éxitos ingleses que eran rápidamente consumidos a 45 rpm y que sacaban al mercado a ritmo de uno o más por trimestre. Todas las canciones del disco ya habían sido editadas en formato pequeño entre 1966 y 1968 sin aportar, por tanto, ninguna novedad a la discografía del conjunto catalán.

Este LP no es otra cosa que un recopilaorio que con poca convicción el sello discográfico sacó a la venta. Y digo con poca convicción porque, a pesar de ser Los Mustang las estrellas indiscutibles de La Voz de su Amo española, este long play se va a comercializar bajo el sello Regal; es decir, en la división B de la marca EMI a la que pertenecían ambos sellos.

La rareza del disco y la escasez de su tirada y ventas lo han revalorizado y se cotiza alrededor de los 100 euros en las tiendas de segunda mano. Bueno, sólo para flipados del coleccionismo.

Fuente: Julián Molero - lafonoteca




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viernes, 25 de julio de 2014

Módulos - Realidad LP Hispavox (1970)

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INFO:

Se puede considerar a Los Módulos el último gran grupo de los 60 o el primer supergrupo de los 70. Ambas afirmaciones son ciertas, tanto en lo cronológico como en lo musical, porque ningún grupo de su época fue capaz, como ellos, de reunir en un mismo producto el pop comercial de los 60 con la renovación marcada por la música progresiva en los 70. No debe extrañarnos, por tanto, que los seguidores del pop español los consideren un grupo pop y los amantes de la música progresiva lo reivindiquen continuamente como uno de los suyos. Lo que parece quedar claro, etiquetas aparte, es que Módulos fue un grupo de gran calidad, de trabajo meticuloso y formado por cuatro de los mejores músicos y compositores de su tiempo.

Módulos no surgió por generación espontánea, sino que fue un grupo apoyado desde el principio por una potente casa discográfica.

A finales de 1967, Paco Quero, bajista de Los Ángeles, es requerido por la patria para hacer la mili y su puesto es cubierto por un jovencísimo Pepe Robles. El sustituto cumple con creces las expectativas puestas en él e incluso compone un par de canciones para este grupo; sin embargo, el titular regresa. Rafael Trabuchelli, productor estrella de Hispavox, propone entonces a Pepe Robles un lanzamiento importante como solista, pero éste prefiere formar un nuevo grupo. Trabuchelli, padrino del llamado sonido Torrelaguna, en honor del nombre de la calle donde se encuentran las oficinas de la discográfica y productor de Pic-Nic, Los Ángeles, Los Mitos y en alguna época de Miguel Ríos, apuesta desde el primer momento por el proyecto y proporciona un local de ensayo en los sótanos del mismo edificio Hispavox. Para febrero de 1969, Los Módulos comienzan sus maratonianos ensayos (hasta ocho horas diarias), conformado como un cuarteto con Tomás Bohórquez (órgano Hammond y piano), Emilio Bueno (bajo), Juan Antonio García Reyzabal (batería y violín eléctrico) y el propio Pepe Robles (guitarra y voz).

El sonido del grupo queda definido por el sonido mágico del Hammond de Tomás, la guitarra cristalina y la voz levemente quejumbrosa de Pepe y una sección rítmica ajustada y sin tomarse libertades innecesarias. Las influencias de grupos como Vainilla Fudge o The Nice, basados en el sonido del órgano es palpable en los primeros tiempos.

Poco antes del verano del 69 aparece un primer single con "Ya no me Quieres / "Recuerdos" (Hispavox, 1969) con letra de Reyzabal y música de Robles. El disco se vende bien, está varias semanas en el top 20. Hispavox les firma un contrato por cuatro LP en cuatro años consecutivos y su manager, Tony Caravaca los mueve por todos los clubes madrileños. Tras el verano se meten en el estudio de grabación para lo que será su primer larga duración. En una las últimas sesiones de grabación, Reyzabal aparece con ocho compases de una melodía. Trabuchelli les apremia a terminar el trabajo, ya que el LP queda algo corto de minutaje y el grupo desarrolla rápidamente aquel apunte melódico. Cuando Pepe Robles va a registrar a Autores la nueva canción, se encuentra con que ya ha sido registrada por Reyzabal en solitario. Eso va a producir reclamaciones y pleitos entre ambos músicos y sólo la mediación de Hispavox, que tiene contrato con ambos, evita que uno de los dos salga del grupo. La SGAE toma la decisión salomónica de que aparezca firmada por ambos, aunque Reyzabal siempre reivindicará la autoría en solitario. El tema en cuestión es “Todo tiene su fin”, seguramente una de las tres mejores baladas del pop español de todos los tiempos.

El segundo single "Nada me Importa / Todo tiene su Fin" (Hispavox, 1969) aparece en diciembre del 69. Tres meses entre los más vendidos, dos semanas número 1 de ventas, ambas canciones por separado entre las cabeceras de Los 40 Principales… un rotundo éxito empañado por las desavenencias entre ambos autores, que ya mantendrán únicamente una forzada relación profesional y no volverán a firmar una canción a dúo.

Hispavox aprovecha el momento cumbre del single para lanzar en 1970 “Realidad” (Hispavox, 1970), un excelente trabajo que incluye siete temas propios y dos versiones de Beatles. En el verano de ese año aparecerá un nuevo single de cara al verano: "Tu ya no Estás / No Puedo Estar sin ti" (Hispavox, 1970), que no alcanza ni de lejos las ventas de su predecesor.

En 1971 se editan casi simultáneamente el LP “Variaciones” (Hispavox, 1971) en la línea del anterior, con instrumentaciones parecidas aunque menos frescura y una versión de "The sounds of silence" de Simón y Garfunkel. Este disco contiene una joya: “Solo tú”, que será editada en single junto a un tema inédito “Adiós al ayer”. Este single -"Sólo tú / Adiós al Ayer" (Hispavox, 1971)-vuelve a colocar a Módulos arriba de las listas y propicia para el grupo un segundo verano cargado de galas por toda España.

La discográfica les insta a repetir la jugada al año siguiente, grabando en los primeros meses de 1972 el LP “Plenitud” (Hispavox, 1972). Aquí van a surgir las primeras discrepancias entre un grupo que quiere abrirse a la música progresiva de formaciones como Yes, King Crimson o Genesis y una empresa que quiere repetir la fórmula que se ha demostrado exitosa anteriormente. El resultado es un álbum irregular con canciones muy largas, cargadas de toques de mellotrón, moog y otros aparatos electrónicos y unas letras anodinas y monotemáticas. Una especie de quiero y no puedo (o no me dejan) hacer lo que verdaderamente deseo por parte del grupo. Se extrae “No quiero pensar en ese amor” como single y, siguiendo la costumbre del grupo, se le acopla una Cara B inédita en el LP; en este caso: “Mari, Mari, Mari”. El LP, un tanto incomprendido, se vende poco; sin embargo, el single -"No Quiero Pensar en ese Amor / Mari, Mari, Mari" (Hispavox, 1972)- escala los primeros puestos de las listas y está entre los más vendidos de aquel verano.

1973 es un año en blanco que frena en seco la marcha del grupo. Pepe Robles estrella su coche y está a punto de perder la vida. Meses de hospital y recuperación y los otros tres componentes prácticamente en dique seco. El cuarto LP contratado con Hispavox se graba, por tanto, en 1974. Es sin duda el trabajo más flojo del grupo, que abandona las baladas cargadas de toques clásicos de teclados y guitarra para proponer un pop ligero, lejos de su estilo, con un Pepe Robles en baja forma vocal y con discusiones continuas con el productor Trabuchelli acerca de los arreglos de los distintos temas. El LP “4” (Hispavox, 1974) y el single "Sólo Palabras / Al Ponerse el Sol" (Hispavox, 1974) no funcionan comercialmente, a pesar de que Hispavox ha intentado forzar un producto ultracomercial.

Una vez finalizado su contrato, Reyzabal abandona el grupo en 1974 y es sustituido en la batería por Juan Cánovas, procedente de los recién disueltos Cánovas, Adolfo, Rodrigo y Guzmán.

En los siguientes años grabarán dos singles más con Hispavox. En 1975 "Perdido en mis Recuerdos / Hacia el Siglo XXI" (Hispavox, 1975) y en 1976 "¿Recuerdas? / Consumo S.A." (Hispavox, 1976). Las letras de contenido social, sobre todo en las Caras B, disgustaron notablemente a la discográfica en un momento político complicado en el país y con un dictador agonizante. Estos discos no fueron promocionados debidamente. Las ventas cayeron en picado y con ellas el número de actuaciones y el caché del grupo. A finales de 1976 son invitados a abandonar la compañía. Emilio Bueno abandona el grupo siendo sustituido en el bajo primero por José Luis Campuzano, Sherpa, que más tarde formaría Barón Rojo. También Cánovas es sustituido por Chupi de la Fuente.

En 1978 autoproducen el LP “Módulos” (Olimpo, 1978), el trabajo más libre y personal del grupo. Un trabajo de calidad poco valorado en su tiempo y casi olvidado en la actualidad, que mereció mejor suerte. Tras ser rechazados por varias compañías, será editado por la modesta independiente Olimpo. Hasta cierto punto fue un álbum de culto, pero que por falta de promoción no llegó al gran público y fue ninguneado por las emisoras. En 1979, justo diez años después de su formación, Módulos echa el telón a una trayectoria profesional impecable.

Llevados por la vena de la nostalgia Bohórquez, Bueno, Reyzabal y el guitarrista Pibe Iglesias se reúnen en 2000 para algunas actuaciones y editar el CD “Pensado y Hecho... en la Intimidad” (EPF, 2000), que contiene 9 versiones de temas antiguos y 6 nuevas canciones. Entre tanto, Hispavox y otras compañías ha seguido explotando el filón Módulos en forma de recopilatorios y Medina Azahara ha grabado versiones de sus canciones, que no mejoran en ningún caso las originales.

El Disco:

Nos encontramos ante uno de los larga duración imprescindibles en la historia de la música española. Si hubiera que encasillarlo, su categoría indiscutible sería, si tal estilo existe, la de pop barroco. Fue el primer LP y el más vendido del grupo. Probablemente también el de más calidad.

Esencialmente es un álbum de baladas primorosamente interpretadas, que descansan sobre dos cimientos básicos: la voz de Pepe Robles en su mejor momento, plena de vibratos y capaz de alcanzar cualquier nota sin falsete ni forzamientos, y el Hammond de Tomás Bohorquez que transita desde Juan Sebastian Bach hasta Jon Lord, de los Deep Purple, sin debilidades técnicas. La estructura no difiere demasiado entre unos temas y otros. La mayoría comienzan con un largo preludio instrumental que desemboca en la primera estrofa cantada. Entre estrofas y, en ocasiones, al final del tema se producen solos de guitarra u órgano cargados de expresividad.

"Realidad", el tema que abre y titula el disco, comienza con una tensión creciente iniciado por bajo y timbal a la que se suman progresivamente el hammond, los platos y la guitarra, que configuran un ritmo que se mantendrá con escasas variaciones hasta el final. Sobre ese ritmo se desarrollo el tema con continuas apariciones solistas del órgano y un final un tanto abrupto. "Noche de amor" se inicia con un solo de violín clásico al que pronto se suma el órgano configurando un ambiente de cuento de hadas. El desarrollo instrumental es indudablemente clásico con un fuerte acelerando final. La voz, como en todo el disco, magistral.

Uno de los únicos temas reconocibles como pop sesentero es "Luz errante" lo cual no es malo ni mucho menos, con un frenético ritmo de guitarra y un final vocal un tanto jazzero con improvisación incluida.
"Cuando te espero" es el tema acústico del álbum, solamente el violín de Reyzabal, la voz y el rasgueo de acústica de Robles, un tenue bajo y una tenue aparición del piano. Lástima de letra lacrimógena que le colocaron. En "Dulces Palabras" de nuevo alarde vocal sobre una instrumentación ambiciosa y con cambios muy marcados.

Se incluyen dos versiones de los Beatles: "Yesterday", revisión del superclásico beatle con un larguísimo inicio clásico y una voz quizá un tanto dubitativa. Peca de excesiva extensión para mi gusto. Y "Hello goodbye", con un inicio de coro a capella en plan góspel que se ve roto por un órgano y una batería un tanto agresivos, y que se remansa en un arpegio de guitarra interrumpido por una larga intervención del órgano. Voz etérea con un vibrato tal vez excesivo, pero para mi gusto, una gozada muy poco conocida.

De "Todo tiene su fin", decir que es una de las tres baladas más importantes del pop español. Pura caricia sonora. La cosa se inicia con un órgano eclesiástico al que se une un coro plañidero cargado de eco. La voz destila calidad a cada nota y una complicada línea del bajo la subraya. Un breve solo de guitarra distorsionada que se repite dos veces y un continuo sube y baja en la densidad instrumental que consigue una tensión y reclama la contínua atención del oyente con un final de nuevo con el órgano catedralicio en plena ebullición acompañado por redoble de platos. A destacar la aparición de un par de trompas en el clímax del tema para reforzar al órgano.

Fuente: Julián Molero - lafonoteca.net




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martes, 15 de julio de 2014

Camilo Sesto - Camilo - LP Ariola (1974)

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Camilo Sesto

El Disco:

Si un disco hay que empezarlo por la portada, éste tiene dos. Una lujosa edición tipo álbum con la portada propiamente dicha totalmente en blanco con el rótulo “CAMILO”, y una portada interior con una foto de Camilo Sesto ataviado con un mono amarillo. La canción emblema del disco fue “¿Quieres ser mi amante?”, que en su edición en single se vendió muy bien y, sin ser nada del otro jueves y repetir fórmulas y melodías manidas, estuvo dos semanas como sencillo más vendido en número absoluto de ventas. Este tema incluye una encantadora flauta de pico en su inicio y todo un despliegue de detalles instrumentales cuidados al milímetro; no obstante, carece de esos crescendos que tan bien manejaba el cantante y como composición no pasa de correcta.

La otra guinda del álbum es “Ayudadme”, pero ya estaba amortizada por las ventas en formato sencillo. De las restantes, dos canciones muy queridas por el cantante. Por orden de aparición, la primera es “Isabel” dedicado a su efímera novia y gran amiga, la actriz argentina nacionalidad española, Marcia Bell. Una tierna balada con algo de soporífera nana. La otra dedicatoria es a Joaquina Cortés, madre de Camilo, y así precisamente se titula esa canción: “Madre”. Otra balada con letra llena de sentimiento y música anodina que, desde luego, no estorba el interés por la letra pero tampoco la empuja.

Sentimentalismos aparte, “Camilo” (Ariola, 1974) se trata de un producto elegante y bien manufacturado con espectaculares arreglos de Joohnny Arthey, pero con poco chicha. Podemos citar la larguísima introducción orquestal de “Mi verdad”, luego malograda por una melodía previsible, aunque eso sí, con una interpretación vocal sobresaliente. También puede resultar interesante: “Déjame participar (en tu juego)”, en la que Camilo se nos muestra en algunos pasajes levemente aflamencado. La pieza más resultona podría ser “Llueve sobre mojado”, con arreglos juguetones y entre lo mejor de un disco que peca de repetitivo.

Poca chicha escribíamos antes, pero también un Camilo Sesto en estado de gracia que usa de maravilla sus cualidades vocales.

Fuente: Julián Molero - lafonoteca




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lunes, 14 de julio de 2014

Roberto Carlos - Canta En Español El Gato Que Está Triste Y Azul - LP CBS (1973)

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Roberto Carlos

INFO:

Roberto Carlos Braga Moréira (Cachoeiro de Itapemirim, 19 de abril de 1941) es un cantante brasileño, considerado el rey del mercado discográfico de su país y un importante cantante melódico.

Nació en el estado de Espírito Santo y fue descubierto en 1958 por el compositor y periodista Carlos Imperial. Desde los primeros años de la década de 1960, cuando triunfó en el mundo del pop brasileño a través de los programas musicales de televisión, tuvo sucesivos éxitos, gracias a su voz suave, melancólica y romántica. Líder de la ‘joven guardia’, movimiento musical influenciado por la música de The Beatles, Roberto Carlos resumía su estado de ansiedad en 1965 cantando: “Quiero que me calientes este invierno y que todo lo demás se vaya al infierno”. El movimiento se desvaneció, pero Roberto Carlos se convirtió en el rey del pop brasileño más convencional. Desde ese instante es considerado el Elvis Presley de Brasil.

Entrados los años 70 Roberto Carlos se vuelve un cantante más romántico y sus éxitos comienzan uno tras otro a inundar las emisoras de radio no sólo de Brasil sino de todo el continente y de España. Es el único cantante latinoamericano que ha ganado el festival de la canción de San Remo en Italia. Otros como José Feliciano y Luís Miguel han participado en él también.

Desde los 70 y hasta la fecha Roberto Carlos no ha dejado de grabar y hacer música exitosa.

Tiene casi 100 millones de discos vendidos en todo el mundo, récord para un cantante latinoamericano. Ganador del Grammy al mejor intérprete pop en 1988, gracias a la canción "Si el amor se va". Es el único artista latino considerado leyenda que ha realizado un MTV acústico y colaborado con estrellas mundiales en diversas giras. Sus temas han aparecido en las bandas sonoras de varias películas.

Destacar aquí alguna canción de Roberto Carlos es muy arriesgado por lo extensa que es su discografía. Es considerado uno de los más grandes cantautores de la historia en colaboración con su amigo Erasmo Carlos, juntos son una especie de GARDEL-LEPERA, o LENNON-MCARTNEY. Le ha escrito a todo, al amor, al desamor, al sexo, a dios, a la ecologia, a las madres, a los padres, a los viejos, a los niños, al amigo, al divorcio, a la guerra, etc.

Realizar una lista de sus mejores canciones puede ser un trabajo largo y arduo, y ningún disco de éxitos resume su obra a la perfección, ya que serían necesarios de 3 a 4 cds para hacerlo o como por décadas como se acaba de lanzar en Brasil. Cada disco suyo contaba con más de un hit, y según registros es el artista latinoamericano que más ha sonado en la historia de las radios en el continente.

El cacharrito, Jesus cristo, un millón de amigos, amada amante, que será de ti, propuesta, canzone per te, un gato en la oscuridad, detalles, el progreso, amigo, lady laura, desahogo, mi querido mi viejo mi amigo, no te apartes de mi, amantes a la antigua, cama y mesa, emociones, concavo y convexo, el amor y la moda, símbolo sexual, desde el fondo de mi corazón, apocalipsis, nuestro amor, negra, si el amor se va, mis amores, si me vas a olvidar, si piensas si quieres, amor sin límites, mujer pequeña...

Todo esto sin contar la cantidad de éxitos conseguidos en Brasil que no entraron al mercado hispano por no ser traducidos al español, que suman más de 250

Ha tenido bastante mala racha con las mujeres con las que oficialmente ha estado relacionado. Su mujer Maria Rita murió hace algunos años tras una larga enfermedad. Su historia fue muy especial para estar juntos y cuando al fin lo lograron llego la enfermedad. Roberto carlos dedica cada show al terminar a Maria Rita

En 1991, el cantante fue obligado a reconocer a Rafael Braga, hijo de María Lucila Torres, con quien mantuvo un romance cuando tenía 25 años.

María Lucila también murió de cáncer de mama, dos días después que el artista había asumido la paternidad de Rafael, quien trabaja como vendedor de vehículos en Sao Paulo e intentó, sin éxito, seguir la misma senda de su padre.

Con su primera mujer, Roberto Carlos tuvo tres hijos, uno de ellos, Segundinho, tiene serios problemas de visión y debe ser sometido a tratamiento médico periódico.

Sus presentaciones son las más grandes realizadas por artista latino alguno, su orquesta es considerada la mejor de ningún cantante en la historia. Su formación original era de 32 músicos los cuales Roberto bajo a 16 con la aparición de los sintetizadores. La fama de la orquesta proviene de una vez que Tuvieron que acompañar a Frank Sinatra luego que sus músicos resultaron intoxicados y Roberto le dijo a Frank que solo le colocara las partituras y ellos lo acompañarían, así sucedió y Sinatra confeso jamas había tocado con orquesta igual.

Curiosidades Es el más grande vendedor de discos de América latina- Es el único artista que ha vendido más discos que Los Beatles en América Latina- Si colocas uno al lado del otro sus discos de oro y platino dan la vuelta al estadio Maracanã (El más grande estadio de fútbol de Brasil- Perdió una pierna siendo niño la cual sustituyo por una protesis- Era el único cantante que editaba 2 discos por año uno en portugues y otro en español, tradición que abandono desde 1994.

Ha lanzado en DVD sus películas de juventud y 3 más: MTV acústico, Pra sempre y Duetos los dos primeros conciertos en vivo y el último videos con otros artistas brasileros. En el 2009 celebra sus 50 años de carrera artística con una serie de eventos a lo largo de todo el país siendo el más grande un mega concierto realizado en el estadio Maracaná el más grande estadio de fútbol del mundo..

El Disco:

Este álbum lanzado en España por CBS 1973 recoge los temas que más éxito habían tenido e su trayectoria musical durante 10 años y más de una docena de LP's grabados en su país.

Probablemente El gato que está triste y azul es su tema más emblemático, y eso que tuvo muchos. Originalmente compuesto en italiano como Un gatto nel blu, el propio Roberto Carlos lo cantó en ese idioma para el festival de Sanremo de 1972. Aunque no llegó a la fase final, el tema se tradujo inmediatamente al castellano y se convirtió en un éxito absoluto a este lado de la frontera.

A todas estas ¿por qué el gato era azul? En italiano, "blu" -"azul"- puede traducirse más o menos poéticamente como "cielo", así que la canción se titulaba algo así como "el gato en el cielo", también curioso, por cierto. Bueno, pues al parecer, la traducción española de la letra la hicieron dos tipos de nombre tan castizo como Buddy y Mary McCluskey. Como la rima se resistía, los McCluskeys tiraron por el derecho y decretaron que el gato estaría "azul", y ya puestos, "triste", estado de ánimo que también suele asociarse a ese color. Así que finalmente quedó aquel título tan evocador como extraño.

Curiosidades de Roberto Carlos

El artista sufre de trastorno obsesivo-compulsivo (TOC), que ha atiborrado de manías su carrera y que desde 2004 lo ha obligado a someterse a un tratamiento. El mismo lo reveló en una entrevista que dio por esa misma fecha a la revista Veja: "En 2000 supe que sufría de esto. Al principio pensé que podía curarme solo, pero luego me di cuenta de que este problema era algo serio, que también estaba influyendo mi labor como artista", describió.

El trastorno obsesivo explica su predilección por los colores azul y blanco, tanto en la vestimenta como en su entorno. Detesta el marrón, el rojo y el morado. Siempre entra y sale por la misma puerta. No inicia temporadas en vivo o la grabación de algún disco en agosto, mes considerado de mala suerte en algunas localidades brasileñas. Evita firmar contratos durante luna menguante y elude todo lo que guarde relación con el número 13. Se niega a pronunciar palabras como "azar" o "mentira", y ha extirpado de sus temas términos como "infierno" y "maldad". Siempre se preocupa de que los sitios que usará en sus giras tengan el máximo cuidado, lo que a veces lo ha obligado a traer sus propios complementos (muebles, sillas, mesas, percheros, tablas de planchar, sillones, el lavamanos y el WC.)




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viernes, 11 de julio de 2014

Mari Trini - Mari Trini - LP RCA (1969)

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Mari Trini

El Disco:

Mari Trini decide apartarse de RCA y aceptar una oferta de Hispavox. Cuando ya se encuentra grabando sus primeros temas para su nueva discográfica, RCA saca este LP que recoge la totalidad de sus grabaciones en este sello. Producido por Juan Carlos Calderón y con seis temas ya publicados antes en single, el LP incluye canciones de Aute, Patxi Andión, Juan Carlos Calderón, Jacques Brel y la propia Mari Trini.

Se trata de una obra primeriza, llena de encanto en la que la cantante aún no saca las uñas, pero ya apunta la brava cantante que en un futuro próximo se convertiría en la primera voz femenina española de su tiempo.

Dejando aparte “El alma no venderé”, para mí su mejor tema RCA y ya comentado y valorado en el correspondiente sencillo, me gusta el ambiente campestre y la sencillez de “Canción vieja”, uno de esos temas de fondo de armario que Mari Trini fue dejando escondidos entre vinilos grandes y canciones famosas. El tema en concreto fue uno de los que Patxi Andión había compuesto para ella.

También hay que mencionar un tema de reminiscencias sudamericanas, “Un hombre camina”. Solo voz lana y guitarra en arpegios. Una desnudez compuesta por la propia cantante, prácticamente un poema musicado, que nos hace imaginar aquella niña Mari Trini enferma que mataba las horas abrazada a su guitarra y escribiendo letras en su cuaderno escolar. Más sosa y forzada resulta “Decir”, que RCA se empeñaría en sacar en single como acompañamiento de este LP.

La tercera pista elegida ya había sido publicada como pista principal de single: “No Sé qué Pasará / Algo Así” (RCA, 1968), un tema poco más que aceptable que se mueve en un ritmo alegre, que contrasta con la gravedad de la letra.

Fuente: Julián Molero - lafonoteca




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jueves, 10 de julio de 2014

Juan Pardo - Juan Pardo - LP Novola (1969)

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Juan Pardo

Debut del solista Juan Pardo a 33rpm. El productor es David Pardo, quien no solo no es familia sino que ni siquiera es español. El cantante parece andar un tanto despistado, o al menos despistando al personal, pues todavía carece de estilo marcado y el LP se convierte en una especie de laboratorio de cara a próximos discos. La edición es muy cuidada, tipo álbum con dibujos interiores al abrir la carpeta.

Tras un inclasificable “Ayer, ahora es hoy”, Juan nos obsequia con una canción que había escrito para unos exitosos Fórmula V en una versión bastante distinta a la del quinteto madrileño. Más garra y menos pachanguera que la de sus colegas.

Otra de las canciones importantes del disco es “Barcelona”, una canción fresca e intimista con estribillo fuerte, que recuerda enormemente a algún tema de su época con Junior. “Quizá mañana” suena a algo a medio acabar, dura poco más de un minuto y uno se queda con la impresión o bien de que faltan cosas, o bien de que le están tomando el pelo con alguna toma medio improvisada. Por el contrario “Palabras” es elaborada hasta el barroquismo y es otra de las piezas repescadas por su autor, pues había sido escrita para Daniel Velázquez, que obtuvo uno de los mayores éxitos de su carrera con ella. “Canciones” es chunda chunda y horterilla. El grupo infantil Parchís la convirtió en uno de sus temas más recordados. "My lady" es una canción de cuna que poca relación guarda con el resto, y “El manzano” es un baladón de solista que tira de vozarrón, bastante inapropiada para él mismo.

“La noche en la playa” es un tema que avanza en su melodía y apunta en los arreglos lo que este mismo compositor hará más de diez años después. Otro de los temas bien conocidos y repescados para la ocasión es “Contra el cristal”, que había grabado Miguel Ríos. Se trata de un tema exigente para la voz, bien arreglado y de lo mejor de los primeros pasos de este cantante en su carrera solitaria. Extraña es “Flamenco blue’s”, que nada tiene que ver con uno u otro estilo de los citados y en la que Pardo echa un pulso a un omnipresente órgano litúrgico. Una pieza que suena a experimento personal.

Un LP sin rumbo fijo, aunque con detalles interesantes en el que el propio cantante, siempre innovando, tiró de algún tema preparado para otro, pero a la vez renunció a incluir “La charanga”, que era su principal capital sonoro en ese momento.

Fuente: Julián Molero - lafonoteca




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