viernes, 25 de julio de 2014

Módulos - Realidad LP Hispavox (1970)

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INFO:

Se puede considerar a Los Módulos el último gran grupo de los 60 o el primer supergrupo de los 70. Ambas afirmaciones son ciertas, tanto en lo cronológico como en lo musical, porque ningún grupo de su época fue capaz, como ellos, de reunir en un mismo producto el pop comercial de los 60 con la renovación marcada por la música progresiva en los 70. No debe extrañarnos, por tanto, que los seguidores del pop español los consideren un grupo pop y los amantes de la música progresiva lo reivindiquen continuamente como uno de los suyos. Lo que parece quedar claro, etiquetas aparte, es que Módulos fue un grupo de gran calidad, de trabajo meticuloso y formado por cuatro de los mejores músicos y compositores de su tiempo.

Módulos no surgió por generación espontánea, sino que fue un grupo apoyado desde el principio por una potente casa discográfica.

A finales de 1967, Paco Quero, bajista de Los Ángeles, es requerido por la patria para hacer la mili y su puesto es cubierto por un jovencísimo Pepe Robles. El sustituto cumple con creces las expectativas puestas en él e incluso compone un par de canciones para este grupo; sin embargo, el titular regresa. Rafael Trabuchelli, productor estrella de Hispavox, propone entonces a Pepe Robles un lanzamiento importante como solista, pero éste prefiere formar un nuevo grupo. Trabuchelli, padrino del llamado sonido Torrelaguna, en honor del nombre de la calle donde se encuentran las oficinas de la discográfica y productor de Pic-Nic, Los Ángeles, Los Mitos y en alguna época de Miguel Ríos, apuesta desde el primer momento por el proyecto y proporciona un local de ensayo en los sótanos del mismo edificio Hispavox. Para febrero de 1969, Los Módulos comienzan sus maratonianos ensayos (hasta ocho horas diarias), conformado como un cuarteto con Tomás Bohórquez (órgano Hammond y piano), Emilio Bueno (bajo), Juan Antonio García Reyzabal (batería y violín eléctrico) y el propio Pepe Robles (guitarra y voz).

El sonido del grupo queda definido por el sonido mágico del Hammond de Tomás, la guitarra cristalina y la voz levemente quejumbrosa de Pepe y una sección rítmica ajustada y sin tomarse libertades innecesarias. Las influencias de grupos como Vainilla Fudge o The Nice, basados en el sonido del órgano es palpable en los primeros tiempos.

Poco antes del verano del 69 aparece un primer single con "Ya no me Quieres / "Recuerdos" (Hispavox, 1969) con letra de Reyzabal y música de Robles. El disco se vende bien, está varias semanas en el top 20. Hispavox les firma un contrato por cuatro LP en cuatro años consecutivos y su manager, Tony Caravaca los mueve por todos los clubes madrileños. Tras el verano se meten en el estudio de grabación para lo que será su primer larga duración. En una las últimas sesiones de grabación, Reyzabal aparece con ocho compases de una melodía. Trabuchelli les apremia a terminar el trabajo, ya que el LP queda algo corto de minutaje y el grupo desarrolla rápidamente aquel apunte melódico. Cuando Pepe Robles va a registrar a Autores la nueva canción, se encuentra con que ya ha sido registrada por Reyzabal en solitario. Eso va a producir reclamaciones y pleitos entre ambos músicos y sólo la mediación de Hispavox, que tiene contrato con ambos, evita que uno de los dos salga del grupo. La SGAE toma la decisión salomónica de que aparezca firmada por ambos, aunque Reyzabal siempre reivindicará la autoría en solitario. El tema en cuestión es “Todo tiene su fin”, seguramente una de las tres mejores baladas del pop español de todos los tiempos.

El segundo single "Nada me Importa / Todo tiene su Fin" (Hispavox, 1969) aparece en diciembre del 69. Tres meses entre los más vendidos, dos semanas número 1 de ventas, ambas canciones por separado entre las cabeceras de Los 40 Principales… un rotundo éxito empañado por las desavenencias entre ambos autores, que ya mantendrán únicamente una forzada relación profesional y no volverán a firmar una canción a dúo.

Hispavox aprovecha el momento cumbre del single para lanzar en 1970 “Realidad” (Hispavox, 1970), un excelente trabajo que incluye siete temas propios y dos versiones de Beatles. En el verano de ese año aparecerá un nuevo single de cara al verano: "Tu ya no Estás / No Puedo Estar sin ti" (Hispavox, 1970), que no alcanza ni de lejos las ventas de su predecesor.

En 1971 se editan casi simultáneamente el LP “Variaciones” (Hispavox, 1971) en la línea del anterior, con instrumentaciones parecidas aunque menos frescura y una versión de "The sounds of silence" de Simón y Garfunkel. Este disco contiene una joya: “Solo tú”, que será editada en single junto a un tema inédito “Adiós al ayer”. Este single -"Sólo tú / Adiós al Ayer" (Hispavox, 1971)-vuelve a colocar a Módulos arriba de las listas y propicia para el grupo un segundo verano cargado de galas por toda España.

La discográfica les insta a repetir la jugada al año siguiente, grabando en los primeros meses de 1972 el LP “Plenitud” (Hispavox, 1972). Aquí van a surgir las primeras discrepancias entre un grupo que quiere abrirse a la música progresiva de formaciones como Yes, King Crimson o Genesis y una empresa que quiere repetir la fórmula que se ha demostrado exitosa anteriormente. El resultado es un álbum irregular con canciones muy largas, cargadas de toques de mellotrón, moog y otros aparatos electrónicos y unas letras anodinas y monotemáticas. Una especie de quiero y no puedo (o no me dejan) hacer lo que verdaderamente deseo por parte del grupo. Se extrae “No quiero pensar en ese amor” como single y, siguiendo la costumbre del grupo, se le acopla una Cara B inédita en el LP; en este caso: “Mari, Mari, Mari”. El LP, un tanto incomprendido, se vende poco; sin embargo, el single -"No Quiero Pensar en ese Amor / Mari, Mari, Mari" (Hispavox, 1972)- escala los primeros puestos de las listas y está entre los más vendidos de aquel verano.

1973 es un año en blanco que frena en seco la marcha del grupo. Pepe Robles estrella su coche y está a punto de perder la vida. Meses de hospital y recuperación y los otros tres componentes prácticamente en dique seco. El cuarto LP contratado con Hispavox se graba, por tanto, en 1974. Es sin duda el trabajo más flojo del grupo, que abandona las baladas cargadas de toques clásicos de teclados y guitarra para proponer un pop ligero, lejos de su estilo, con un Pepe Robles en baja forma vocal y con discusiones continuas con el productor Trabuchelli acerca de los arreglos de los distintos temas. El LP “4” (Hispavox, 1974) y el single "Sólo Palabras / Al Ponerse el Sol" (Hispavox, 1974) no funcionan comercialmente, a pesar de que Hispavox ha intentado forzar un producto ultracomercial.

Una vez finalizado su contrato, Reyzabal abandona el grupo en 1974 y es sustituido en la batería por Juan Cánovas, procedente de los recién disueltos Cánovas, Adolfo, Rodrigo y Guzmán.

En los siguientes años grabarán dos singles más con Hispavox. En 1975 "Perdido en mis Recuerdos / Hacia el Siglo XXI" (Hispavox, 1975) y en 1976 "¿Recuerdas? / Consumo S.A." (Hispavox, 1976). Las letras de contenido social, sobre todo en las Caras B, disgustaron notablemente a la discográfica en un momento político complicado en el país y con un dictador agonizante. Estos discos no fueron promocionados debidamente. Las ventas cayeron en picado y con ellas el número de actuaciones y el caché del grupo. A finales de 1976 son invitados a abandonar la compañía. Emilio Bueno abandona el grupo siendo sustituido en el bajo primero por José Luis Campuzano, Sherpa, que más tarde formaría Barón Rojo. También Cánovas es sustituido por Chupi de la Fuente.

En 1978 autoproducen el LP “Módulos” (Olimpo, 1978), el trabajo más libre y personal del grupo. Un trabajo de calidad poco valorado en su tiempo y casi olvidado en la actualidad, que mereció mejor suerte. Tras ser rechazados por varias compañías, será editado por la modesta independiente Olimpo. Hasta cierto punto fue un álbum de culto, pero que por falta de promoción no llegó al gran público y fue ninguneado por las emisoras. En 1979, justo diez años después de su formación, Módulos echa el telón a una trayectoria profesional impecable.

Llevados por la vena de la nostalgia Bohórquez, Bueno, Reyzabal y el guitarrista Pibe Iglesias se reúnen en 2000 para algunas actuaciones y editar el CD “Pensado y Hecho... en la Intimidad” (EPF, 2000), que contiene 9 versiones de temas antiguos y 6 nuevas canciones. Entre tanto, Hispavox y otras compañías ha seguido explotando el filón Módulos en forma de recopilatorios y Medina Azahara ha grabado versiones de sus canciones, que no mejoran en ningún caso las originales.

El Disco:

Nos encontramos ante uno de los larga duración imprescindibles en la historia de la música española. Si hubiera que encasillarlo, su categoría indiscutible sería, si tal estilo existe, la de pop barroco. Fue el primer LP y el más vendido del grupo. Probablemente también el de más calidad.

Esencialmente es un álbum de baladas primorosamente interpretadas, que descansan sobre dos cimientos básicos: la voz de Pepe Robles en su mejor momento, plena de vibratos y capaz de alcanzar cualquier nota sin falsete ni forzamientos, y el Hammond de Tomás Bohorquez que transita desde Juan Sebastian Bach hasta Jon Lord, de los Deep Purple, sin debilidades técnicas. La estructura no difiere demasiado entre unos temas y otros. La mayoría comienzan con un largo preludio instrumental que desemboca en la primera estrofa cantada. Entre estrofas y, en ocasiones, al final del tema se producen solos de guitarra u órgano cargados de expresividad.

"Realidad", el tema que abre y titula el disco, comienza con una tensión creciente iniciado por bajo y timbal a la que se suman progresivamente el hammond, los platos y la guitarra, que configuran un ritmo que se mantendrá con escasas variaciones hasta el final. Sobre ese ritmo se desarrollo el tema con continuas apariciones solistas del órgano y un final un tanto abrupto. "Noche de amor" se inicia con un solo de violín clásico al que pronto se suma el órgano configurando un ambiente de cuento de hadas. El desarrollo instrumental es indudablemente clásico con un fuerte acelerando final. La voz, como en todo el disco, magistral.

Uno de los únicos temas reconocibles como pop sesentero es "Luz errante" lo cual no es malo ni mucho menos, con un frenético ritmo de guitarra y un final vocal un tanto jazzero con improvisación incluida.
"Cuando te espero" es el tema acústico del álbum, solamente el violín de Reyzabal, la voz y el rasgueo de acústica de Robles, un tenue bajo y una tenue aparición del piano. Lástima de letra lacrimógena que le colocaron. En "Dulces Palabras" de nuevo alarde vocal sobre una instrumentación ambiciosa y con cambios muy marcados.

Se incluyen dos versiones de los Beatles: "Yesterday", revisión del superclásico beatle con un larguísimo inicio clásico y una voz quizá un tanto dubitativa. Peca de excesiva extensión para mi gusto. Y "Hello goodbye", con un inicio de coro a capella en plan góspel que se ve roto por un órgano y una batería un tanto agresivos, y que se remansa en un arpegio de guitarra interrumpido por una larga intervención del órgano. Voz etérea con un vibrato tal vez excesivo, pero para mi gusto, una gozada muy poco conocida.

De "Todo tiene su fin", decir que es una de las tres baladas más importantes del pop español. Pura caricia sonora. La cosa se inicia con un órgano eclesiástico al que se une un coro plañidero cargado de eco. La voz destila calidad a cada nota y una complicada línea del bajo la subraya. Un breve solo de guitarra distorsionada que se repite dos veces y un continuo sube y baja en la densidad instrumental que consigue una tensión y reclama la contínua atención del oyente con un final de nuevo con el órgano catedralicio en plena ebullición acompañado por redoble de platos. A destacar la aparición de un par de trompas en el clímax del tema para reforzar al órgano.

Fuente: Julián Molero - lafonoteca.net




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martes, 15 de julio de 2014

Camilo Sesto - Camilo - LP Ariola (1974)

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Camilo Sesto

El Disco:

Si un disco hay que empezarlo por la portada, éste tiene dos. Una lujosa edición tipo álbum con la portada propiamente dicha totalmente en blanco con el rótulo “CAMILO”, y una portada interior con una foto de Camilo Sesto ataviado con un mono amarillo. La canción emblema del disco fue “¿Quieres ser mi amante?”, que en su edición en single se vendió muy bien y, sin ser nada del otro jueves y repetir fórmulas y melodías manidas, estuvo dos semanas como sencillo más vendido en número absoluto de ventas. Este tema incluye una encantadora flauta de pico en su inicio y todo un despliegue de detalles instrumentales cuidados al milímetro; no obstante, carece de esos crescendos que tan bien manejaba el cantante y como composición no pasa de correcta.

La otra guinda del álbum es “Ayudadme”, pero ya estaba amortizada por las ventas en formato sencillo. De las restantes, dos canciones muy queridas por el cantante. Por orden de aparición, la primera es “Isabel” dedicado a su efímera novia y gran amiga, la actriz argentina nacionalidad española, Marcia Bell. Una tierna balada con algo de soporífera nana. La otra dedicatoria es a Joaquina Cortés, madre de Camilo, y así precisamente se titula esa canción: “Madre”. Otra balada con letra llena de sentimiento y música anodina que, desde luego, no estorba el interés por la letra pero tampoco la empuja.

Sentimentalismos aparte, “Camilo” (Ariola, 1974) se trata de un producto elegante y bien manufacturado con espectaculares arreglos de Joohnny Arthey, pero con poco chicha. Podemos citar la larguísima introducción orquestal de “Mi verdad”, luego malograda por una melodía previsible, aunque eso sí, con una interpretación vocal sobresaliente. También puede resultar interesante: “Déjame participar (en tu juego)”, en la que Camilo se nos muestra en algunos pasajes levemente aflamencado. La pieza más resultona podría ser “Llueve sobre mojado”, con arreglos juguetones y entre lo mejor de un disco que peca de repetitivo.

Poca chicha escribíamos antes, pero también un Camilo Sesto en estado de gracia que usa de maravilla sus cualidades vocales.

Fuente: Julián Molero - lafonoteca




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lunes, 14 de julio de 2014

Roberto Carlos - Canta En Español El Gato Que Está Triste Y Azul - LP CBS (1973)

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Roberto Carlos

INFO:

Roberto Carlos Braga Moréira (Cachoeiro de Itapemirim, 19 de abril de 1941) es un cantante brasileño, considerado el rey del mercado discográfico de su país y un importante cantante melódico.

Nació en el estado de Espírito Santo y fue descubierto en 1958 por el compositor y periodista Carlos Imperial. Desde los primeros años de la década de 1960, cuando triunfó en el mundo del pop brasileño a través de los programas musicales de televisión, tuvo sucesivos éxitos, gracias a su voz suave, melancólica y romántica. Líder de la ‘joven guardia’, movimiento musical influenciado por la música de The Beatles, Roberto Carlos resumía su estado de ansiedad en 1965 cantando: “Quiero que me calientes este invierno y que todo lo demás se vaya al infierno”. El movimiento se desvaneció, pero Roberto Carlos se convirtió en el rey del pop brasileño más convencional. Desde ese instante es considerado el Elvis Presley de Brasil.

Entrados los años 70 Roberto Carlos se vuelve un cantante más romántico y sus éxitos comienzan uno tras otro a inundar las emisoras de radio no sólo de Brasil sino de todo el continente y de España. Es el único cantante latinoamericano que ha ganado el festival de la canción de San Remo en Italia. Otros como José Feliciano y Luís Miguel han participado en él también.

Desde los 70 y hasta la fecha Roberto Carlos no ha dejado de grabar y hacer música exitosa.

Tiene casi 100 millones de discos vendidos en todo el mundo, récord para un cantante latinoamericano. Ganador del Grammy al mejor intérprete pop en 1988, gracias a la canción "Si el amor se va". Es el único artista latino considerado leyenda que ha realizado un MTV acústico y colaborado con estrellas mundiales en diversas giras. Sus temas han aparecido en las bandas sonoras de varias películas.

Destacar aquí alguna canción de Roberto Carlos es muy arriesgado por lo extensa que es su discografía. Es considerado uno de los más grandes cantautores de la historia en colaboración con su amigo Erasmo Carlos, juntos son una especie de GARDEL-LEPERA, o LENNON-MCARTNEY. Le ha escrito a todo, al amor, al desamor, al sexo, a dios, a la ecologia, a las madres, a los padres, a los viejos, a los niños, al amigo, al divorcio, a la guerra, etc.

Realizar una lista de sus mejores canciones puede ser un trabajo largo y arduo, y ningún disco de éxitos resume su obra a la perfección, ya que serían necesarios de 3 a 4 cds para hacerlo o como por décadas como se acaba de lanzar en Brasil. Cada disco suyo contaba con más de un hit, y según registros es el artista latinoamericano que más ha sonado en la historia de las radios en el continente.

El cacharrito, Jesus cristo, un millón de amigos, amada amante, que será de ti, propuesta, canzone per te, un gato en la oscuridad, detalles, el progreso, amigo, lady laura, desahogo, mi querido mi viejo mi amigo, no te apartes de mi, amantes a la antigua, cama y mesa, emociones, concavo y convexo, el amor y la moda, símbolo sexual, desde el fondo de mi corazón, apocalipsis, nuestro amor, negra, si el amor se va, mis amores, si me vas a olvidar, si piensas si quieres, amor sin límites, mujer pequeña...

Todo esto sin contar la cantidad de éxitos conseguidos en Brasil que no entraron al mercado hispano por no ser traducidos al español, que suman más de 250

Ha tenido bastante mala racha con las mujeres con las que oficialmente ha estado relacionado. Su mujer Maria Rita murió hace algunos años tras una larga enfermedad. Su historia fue muy especial para estar juntos y cuando al fin lo lograron llego la enfermedad. Roberto carlos dedica cada show al terminar a Maria Rita

En 1991, el cantante fue obligado a reconocer a Rafael Braga, hijo de María Lucila Torres, con quien mantuvo un romance cuando tenía 25 años.

María Lucila también murió de cáncer de mama, dos días después que el artista había asumido la paternidad de Rafael, quien trabaja como vendedor de vehículos en Sao Paulo e intentó, sin éxito, seguir la misma senda de su padre.

Con su primera mujer, Roberto Carlos tuvo tres hijos, uno de ellos, Segundinho, tiene serios problemas de visión y debe ser sometido a tratamiento médico periódico.

Sus presentaciones son las más grandes realizadas por artista latino alguno, su orquesta es considerada la mejor de ningún cantante en la historia. Su formación original era de 32 músicos los cuales Roberto bajo a 16 con la aparición de los sintetizadores. La fama de la orquesta proviene de una vez que Tuvieron que acompañar a Frank Sinatra luego que sus músicos resultaron intoxicados y Roberto le dijo a Frank que solo le colocara las partituras y ellos lo acompañarían, así sucedió y Sinatra confeso jamas había tocado con orquesta igual.

Curiosidades Es el más grande vendedor de discos de América latina- Es el único artista que ha vendido más discos que Los Beatles en América Latina- Si colocas uno al lado del otro sus discos de oro y platino dan la vuelta al estadio Maracanã (El más grande estadio de fútbol de Brasil- Perdió una pierna siendo niño la cual sustituyo por una protesis- Era el único cantante que editaba 2 discos por año uno en portugues y otro en español, tradición que abandono desde 1994.

Ha lanzado en DVD sus películas de juventud y 3 más: MTV acústico, Pra sempre y Duetos los dos primeros conciertos en vivo y el último videos con otros artistas brasileros. En el 2009 celebra sus 50 años de carrera artística con una serie de eventos a lo largo de todo el país siendo el más grande un mega concierto realizado en el estadio Maracaná el más grande estadio de fútbol del mundo..

El Disco:

Este álbum lanzado en España por CBS 1973 recoge los temas que más éxito habían tenido e su trayectoria musical durante 10 años y más de una docena de LP's grabados en su país.

Probablemente El gato que está triste y azul es su tema más emblemático, y eso que tuvo muchos. Originalmente compuesto en italiano como Un gatto nel blu, el propio Roberto Carlos lo cantó en ese idioma para el festival de Sanremo de 1972. Aunque no llegó a la fase final, el tema se tradujo inmediatamente al castellano y se convirtió en un éxito absoluto a este lado de la frontera.

A todas estas ¿por qué el gato era azul? En italiano, "blu" -"azul"- puede traducirse más o menos poéticamente como "cielo", así que la canción se titulaba algo así como "el gato en el cielo", también curioso, por cierto. Bueno, pues al parecer, la traducción española de la letra la hicieron dos tipos de nombre tan castizo como Buddy y Mary McCluskey. Como la rima se resistía, los McCluskeys tiraron por el derecho y decretaron que el gato estaría "azul", y ya puestos, "triste", estado de ánimo que también suele asociarse a ese color. Así que finalmente quedó aquel título tan evocador como extraño.

Curiosidades de Roberto Carlos

El artista sufre de trastorno obsesivo-compulsivo (TOC), que ha atiborrado de manías su carrera y que desde 2004 lo ha obligado a someterse a un tratamiento. El mismo lo reveló en una entrevista que dio por esa misma fecha a la revista Veja: "En 2000 supe que sufría de esto. Al principio pensé que podía curarme solo, pero luego me di cuenta de que este problema era algo serio, que también estaba influyendo mi labor como artista", describió.

El trastorno obsesivo explica su predilección por los colores azul y blanco, tanto en la vestimenta como en su entorno. Detesta el marrón, el rojo y el morado. Siempre entra y sale por la misma puerta. No inicia temporadas en vivo o la grabación de algún disco en agosto, mes considerado de mala suerte en algunas localidades brasileñas. Evita firmar contratos durante luna menguante y elude todo lo que guarde relación con el número 13. Se niega a pronunciar palabras como "azar" o "mentira", y ha extirpado de sus temas términos como "infierno" y "maldad". Siempre se preocupa de que los sitios que usará en sus giras tengan el máximo cuidado, lo que a veces lo ha obligado a traer sus propios complementos (muebles, sillas, mesas, percheros, tablas de planchar, sillones, el lavamanos y el WC.)




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viernes, 11 de julio de 2014

Mari Trini - Mari Trini - LP RCA (1969)

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Mari Trini

El Disco:

Mari Trini decide apartarse de RCA y aceptar una oferta de Hispavox. Cuando ya se encuentra grabando sus primeros temas para su nueva discográfica, RCA saca este LP que recoge la totalidad de sus grabaciones en este sello. Producido por Juan Carlos Calderón y con seis temas ya publicados antes en single, el LP incluye canciones de Aute, Patxi Andión, Juan Carlos Calderón, Jacques Brel y la propia Mari Trini.

Se trata de una obra primeriza, llena de encanto en la que la cantante aún no saca las uñas, pero ya apunta la brava cantante que en un futuro próximo se convertiría en la primera voz femenina española de su tiempo.

Dejando aparte “El alma no venderé”, para mí su mejor tema RCA y ya comentado y valorado en el correspondiente sencillo, me gusta el ambiente campestre y la sencillez de “Canción vieja”, uno de esos temas de fondo de armario que Mari Trini fue dejando escondidos entre vinilos grandes y canciones famosas. El tema en concreto fue uno de los que Patxi Andión había compuesto para ella.

También hay que mencionar un tema de reminiscencias sudamericanas, “Un hombre camina”. Solo voz lana y guitarra en arpegios. Una desnudez compuesta por la propia cantante, prácticamente un poema musicado, que nos hace imaginar aquella niña Mari Trini enferma que mataba las horas abrazada a su guitarra y escribiendo letras en su cuaderno escolar. Más sosa y forzada resulta “Decir”, que RCA se empeñaría en sacar en single como acompañamiento de este LP.

La tercera pista elegida ya había sido publicada como pista principal de single: “No Sé qué Pasará / Algo Así” (RCA, 1968), un tema poco más que aceptable que se mueve en un ritmo alegre, que contrasta con la gravedad de la letra.

Fuente: Julián Molero - lafonoteca




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jueves, 10 de julio de 2014

Juan Pardo - Juan Pardo - LP Novola (1969)

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Juan Pardo

Debut del solista Juan Pardo a 33rpm. El productor es David Pardo, quien no solo no es familia sino que ni siquiera es español. El cantante parece andar un tanto despistado, o al menos despistando al personal, pues todavía carece de estilo marcado y el LP se convierte en una especie de laboratorio de cara a próximos discos. La edición es muy cuidada, tipo álbum con dibujos interiores al abrir la carpeta.

Tras un inclasificable “Ayer, ahora es hoy”, Juan nos obsequia con una canción que había escrito para unos exitosos Fórmula V en una versión bastante distinta a la del quinteto madrileño. Más garra y menos pachanguera que la de sus colegas.

Otra de las canciones importantes del disco es “Barcelona”, una canción fresca e intimista con estribillo fuerte, que recuerda enormemente a algún tema de su época con Junior. “Quizá mañana” suena a algo a medio acabar, dura poco más de un minuto y uno se queda con la impresión o bien de que faltan cosas, o bien de que le están tomando el pelo con alguna toma medio improvisada. Por el contrario “Palabras” es elaborada hasta el barroquismo y es otra de las piezas repescadas por su autor, pues había sido escrita para Daniel Velázquez, que obtuvo uno de los mayores éxitos de su carrera con ella. “Canciones” es chunda chunda y horterilla. El grupo infantil Parchís la convirtió en uno de sus temas más recordados. "My lady" es una canción de cuna que poca relación guarda con el resto, y “El manzano” es un baladón de solista que tira de vozarrón, bastante inapropiada para él mismo.

“La noche en la playa” es un tema que avanza en su melodía y apunta en los arreglos lo que este mismo compositor hará más de diez años después. Otro de los temas bien conocidos y repescados para la ocasión es “Contra el cristal”, que había grabado Miguel Ríos. Se trata de un tema exigente para la voz, bien arreglado y de lo mejor de los primeros pasos de este cantante en su carrera solitaria. Extraña es “Flamenco blue’s”, que nada tiene que ver con uno u otro estilo de los citados y en la que Pardo echa un pulso a un omnipresente órgano litúrgico. Una pieza que suena a experimento personal.

Un LP sin rumbo fijo, aunque con detalles interesantes en el que el propio cantante, siempre innovando, tiró de algún tema preparado para otro, pero a la vez renunció a incluir “La charanga”, que era su principal capital sonoro en ese momento.

Fuente: Julián Molero - lafonoteca




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martes, 8 de julio de 2014

Mocedades - Mocedades 4 - LP Novola (1973)

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Mocedades

Hasta las instituciones que siempre han estado ahí tuvieron un principio. Mocedades es una de esas instituciones de la música española que se han mantenido contra viento y tempestades. También ellos tuvieron un principio. Y su principio data de 1967, cuando las hermanas Uranga: Amaya, Izaskun y Estíbaliz forman un grupo de folk llamado Voces y Guitarras, al que se van incorporando su hermano Roberto, sus amigos Javier Garay, José Ipiña y Paco Panera y otros dos hermanos que habían hecho sus primeros pinitos como dúo: Sergio y Rafael Blanco. Actúan por toda Vizcaya y graban en un casette una cinta de la que hacen un montón de copias para enviarlas a todas las casas de discos. Una de esas copias cae en las manos del compositor y arreglista Juan Carlos Calderón, que trabaja para Zafiro. Es el momento de la eclosión de los grupos folk, entre los que Nuestro Pequeño Mundo es el principal referente.

Viajan a Madrid y sus buenas voces convencen hasta tal punto que les firman un contrato y los pasan a Novola, un sello subsidiario de Zafiro especializado en grupos españoles. Sus discos aparecerán normalmente con ambos sellos estampados en la portada o con uno solo de ellos, pero en realidad Novola y Zafiro eran a todos los efectos una misma empresa. Pierden momentáneamente a Javier Garay por motivos militares y como octeto graban su primer LP, “Mocedades 1” (Novola, 1969), que contiene ya su primer tema conocido, una versión del canto litúrgico “Pange Lingua” cantado en latín.

El grupo tiene la suerte de poseer ideas claras y estar bien dirigido por el representante Emilio Santamaría, padre de Massiel. En vez de perderse en festivales universitarios, actuaciones en fiestas locales y demás, optan por un difícil camino y diseñan el espectáculo “América negra” destinado a teatros y auditorios. Con ese espectáculo van a realizar su primera gira nacional. Actuando en Madrid, una voz grita desde el patio de butacas: “Mejor que Joan Baez”, mientras Estíbaliz, con 17 años, canta “Donna, donna”. La frase aparece en la prensa y contribuye a crear expectación en sus siguientes actuaciones.

Con la misma formación y ahondando en la vena ya iniciada del folk song sacan su siguiente LP, “Mocedades 2” (Novola, 1970) en el que vendrá incluido su primer gran éxito: “Más allá” basado en un tema clásico del compositor checo Antonin Dvorak. La mayor parte de las canciones de estos dos primeros LP proceden del repertorio folk y cuentan con las únicas herramientas instrumentales de las guitarras del grupo, la percusión y, en algún caso, el piano de Juan Carlos Calderón, que literalmente mima a un grupo en el que tiene una fe ciega.

La puñetera mili sigue marcando el paso al grupo y a finales de 1970, Paco y José se ven obligados a vestir de caqui, ingresando en su puesto Javier Garay, que había pertenecido a aquellos primitivos Voces y Guitarras y acababa de ser licenciado de sus obligaciones militares. Con siete componentes graban un nuevo LP “Mocedades 3” (Novola, 1971). Pues bien, esta tercera entrega es un disco que se vende bien, en el que ya se inicia la deriva hacia la música ligera, pero en el que no hay ningún tema que rompa en gran hit dentro de la clasificación de sencillos. Con este LP concluye la época folk del grupo.

1972 fue un año complicado. Sin grabaciones y con el abandono de la pareja musical y vital formada por Sergio Blanco y Estíbaliz Uranga para formar el dúo Sergio y Estíbaliz el grupo se tambalea. También Rafael, hermano de Sergio, dice adiós. Al final el regreso de la mili de José Ipiña y la entrada de Carlos Zubiaga, que venía de Los Mitos salvan la situación y Mocedades queda configurado por muchos años como sexteto con dos chicas: Amaya e Izaskun y cuatro chicos: Roberto, Javier, José y Carlos. Es su formación más conocida y la que recorrerá la triunfal década de los 70. Son finalistas en San Remo 73 con “Addio amor” en su primera incursión europea.

Ese mismo 1973 son seleccionados con un tema de Juan Carlos Calderón para acudir a Eurovisión. Quedan segundos con 122 votos, graban el tema en diversos idiomas y alcanzan por primera vez el número 1 absoluto de ventas en España. Al año siguiente, esa canción alcanzará el top 5 USA... cantada en español por Mocedades. “Eres tú” no venció, pero vendió y mucho. En 2006 se celebró el 50º aniversario de Eurovisión y se consideró este tema uno de los diez mejores que habían pasado por ese festival en medio siglo de existencia. Sólo en estados Unidos la canción conoció más de cien versiones discográficas.

Cuando parecía imposible superar lo anterior, Mocedades publican “Tómame o déjame” (Novola, 1974) con la que están cinco semanas en lo más alto de las listas españolas de ventas y once semanas en el Nº 1 de Los 40 Principales. Esta canción también alcanza la cima de ventas en varios países suramericanos. A partir de este tema van a encadenar un triunfo detrás de otro, abrazando un estilo melódico basado en baladas románticas con fuerte componente orquestal y con el sexteto desplegando un poderío vocal nunca oído por estas tierras. Canciones como la inefable “Secretaria”, “Solo era un niño” o “¿Quién te cantará?” vuelven a ser número 1 de ventas. Otro tanto podemos decir en la clasificación de largos con “El Color de tu Mirada” (Zafiro, 1976) y “Mocedades 10” (Zafiro, 1977). Son en ese momento el grupo español más popular dentro y fuera del país y su actividad en recitales y televisiones es incesante. El grupo es una máquina de fabricar hits, siempre hábilmente engrasada por los arreglos de Juan Carlos Calderón. La composición del grupo permanece inamovible, salvo algún parto y enfermedad de Izaskun, que, como todo queda en casa, es fugazmente reemplazada por su hermana Idoia Uranga, siempre dispuesta a echar una mano y una voz.

En 1979 surgió una pequeña controversia, ya que CBS quería contar con Mocedades para participar en el disco y la obra “Misa campesina nicaragüense” junto a Ana Belén, Miguel Bosé, Sergio y Estíbaliz y los sudamericanos Elsa Baeza y Carlos Mejía Godoy. Zafiro-Novola pone como condición que Mocedades renueve contrato con ellos para la siguiente década, a lo que el grupo se niega, quedando fuera del elenco.

Mocedades cumple contrato discográfico al final de 1980 y cambia de compañía, firmando un supercontrato con CBS y cambiando de productor. Se separarán de Juan Carlos Calderón y estarán ahora dirigidos por Óscar Gómez. Volverán por sus fueros con “Amor de Hombre” (CBS, 1982), un tema procedente del intermedio instrumental de la zarzuela “La leyenda del beso” (Soutullo y Vert) con el que estarán cuatro semanas en el primer puesto de ventas y se convertirá en la canción del grupo más vendida en España, con la asombrosa cifra de medio millón de ejemplares del single y más de cien mil entre LP y casette. También en América venderían por encima del millón de copias de este tema en la suma de los diversos formatos.

Volverán al número 1, esta vez en la división de long plays con la BSO de la serie española de dibujos animados “La Vuelta al Mundo de Willie Fogg” (CBS, 1984), basada en la novela de Julio Verne, “La vuelta al mundo en 80 días”. Poco después va a dejar el grupo su voz solista, Amaya Uranga, para comenzar una carrera en solitario que no llegaría a funcionar del todo. La despedida de Amaya constituiría una gran gira nacional y la grabación en el Teatro Alcalá de Madrid, del disco “15 Años de Música” (CBS, 1984) en uno de los conciertos más recordados de la historia musical de este país. Esto cerraría el periodo clásico y más carismático del grupo.

Se hizo un amplio casting para sustituir a Amaya, entrando en su puesto Ana Bejarano y dando más peso solista a las voces masculinas. Mocedades seguiría en activo con trabajos muy estimables; sin embargo, ya no volvería a liderar listas de ventas. Lo intentan con el LP “Colores” (CBS, 1986) que contaba con la vieja canción “Colours” del cantautor inglés Donovan como reclamo principal y para el que José María Cano compondría también algún tema.

En 1988, dos históricos dejan el grupo, Carlos Zubiaga y José Ipiña, abandonan la formación para formar El Consorcio junto a Sergio y Estíbaliz. Son sustituidos por otro de la inacabable familia Uranga, Iñaki, que cinco años más tarde entraría también en El Consorcio.

Los 90 suponen un continuo cambio de componentes y la aparición de discos cada vez más espaciados en el tiempo. En 1993, Ana Bejarano y el citado Iñaki dejan el grupo y se incorporan Iñigo Zubizarreta e Inés Rangil, la única no vasca de la historia de Mocedades. Otro fundador que se retira es Roberto, siendo sustituido por José García. De estos años de continuos cambios lo más destacable es “Intimamente” (CBS, 1992) con el que intentan reflotar una carrera que está en una evidente cuesta abajo. CBS ya convertida en Sony no les renueva el contrato y en 1995 recalan en Discmedi con el que grabarán de entrada un intrancesdente “Suave Luz” (Discmedi, 1995).

La formación del grupo sigue siendo de lo más inestable. La cantante principal, Inés, también abandona para ser sustituida por Idoia Arteaga. En ese momento también entran en el grupo Arsenio Gutiérrez y José Antonio Lasheras. Con ellos grabarán su último disco importante editado en España: “Mocedades Canta a Walt Disney” (Walt Disney Producciones, 1997), siendo de nuevo Juan Carlos Calderón el productor.

Cuando Mocedades parece abocado a su desaparición, dos fundadores de la formación: Izaskun Uranga y Javier Garay lo rehacen. Graban una maqueta con temas de los Beatles, que nunca se ha publicado y para América un CD dedicado a las más famosas canciones de Juan Luis Guerra. La voz solista es en esos primeros años de siglo es Iratxe Martínez de Arenaza, que dejará a su vez el grupo en 2005.

En la actualidad, Mocedades es un quinteto formado por los veteranos de toda la vida Izaskun y Javier más las nuevas caras de Rosa Rodríguez, Edorta Aiartzagüena y Luis Hornedo, que ya llevaba un tiempo en el grupo. Este quinteto haría en 2010 una larga gira por Estados Unidos, donde todavía se recuerdan sus viejos hits.

Mocedades han llenado toda una vida de canciones, sus voces forman parte de nuestra memoria colectiva y, sin ninguna duda, ha sido el mejor grupo vocal de la historia de nuestra música.

La práctica totalidad de la discografía de Mocedades ha sido reeditada en formato CD en estos últimos años por los sellos EMI y EMI Ariola, lo que la convierte en una de las más accesibles para su multitud de viejos seguidores y para los jóvenes que quieran acercarse a la historia sonora de estos gigantes de la música española.

El Disco:

He aquí un buen ejemplo de cómo una sola canción puede devorar todo un LP. “Eres tú” batió records por todos lados. Ha sido la canción española más votada en la historia de Eurovisión, aunque hubo de conformarse con el segundo lugar. Fue la primera canción de un intérprete español que cantada en castellano alcanzó el top 5 USA, el primer disco de Mocedades que llegó aquí al número 1 absoluto de ventas en sencillos y LP. Pero desposeyendo este disco de su primera canción nos señala la irremediable transición del folk a la canción melódica. Arreglos orquestales a tutiplén, abandono casi total de las guitarras para dedicarse únicamente a cantar, Amaya como voz solista indiscutible y un aire de clasicismo en los arreglos de Juan Carlos Calderón. Por todo ello, se considera el primer paso de la época clásica y más conocida de Mocedades. Esto último puede resultar hasta cierto punto discutible, ya que “Mocedades 4” (Novola, 1973) recoge canciones grabadas por la anterior formación de siete miembros y la muy distinta de seis componentes con la que participaron en San Remo y Eurovisión.

Aún arde algún rescoldo folk en “If you miss me from the back of the bus”, pero el resto es un álbum de melodías pensadas para el lucimiento de las seis voces del grupo. Temas como “Recuerdos de mocedad” o “I ask my Lord” son bastante representativos del nuevo estilo del grupo, que cada vez se acerca más a la música de los grandes solistas de la década de los 70.

Todo el LP gira alrededor de “Eres tú”, título oficioso por el que fue conocido este disco. Como ocurre tantas veces, el tema no gustó al principio a su compositor, que en realidad unió dos temas previos, cogiendo de uno la estrofa y del otro el estribillo. Tampoco la letra convencía a Juan Carlos Calderón, que prefería menos metáfora y más víscera. Sin embargo, esa canción estaba llamada a convertirse en uno de los iconos de la música española de todos los tiempos.

Otro tema importante es “Adiós amor” con el que el grupo había llegado a la final en el festival de San Remo de aquel 1973. Del resto, poco hay que destacar. La ternura de “Himno” o el buen trabajo vocal de su “Yesterday”, que no es el de The Beatles. Aunque a la hora de fijarse en el trabajo de voces, es injusto poner el acento en una u otra canción.

Para Mocedades quedaban atrás la progresía, los jerseys de cuello alto, la contestación, las barbas desordenadas y los banjos. El establishment musical los había abducido y ya no los soltaría en los siguientes treinta años.

Fuente: Julián Molero - lafonoteca




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jueves, 12 de junio de 2014

Manolo Galván - Mi Única Razón - LP Ariola (1975)

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INFO:

Manolo Galván (Crevillent (Alicante), España, 13 de marzo de 1946 - Bella Vista, Argentina, 15 de mayo de 2013)fue un cantante y compositor español.

A la edad de 15 años comenzó a cantar en contra de la voluntad de su familia. Abandonó sus estudios y se trasladó a Madrid, donde se integró en un grupo llamado Sonors. Más tarde, Manolo Galván abandonó el grupo para iniciar una carrera solista, pero al no lograrlo se trasladó a Málaga para formar parte del grupo Los Gritos, con quienes estuvo durante tres años. Sus éxitos de esta época son «La vida sigue igual», «Sentado en la estación», «Adiós verano, adiós amor», «Lamento» (o «El lamento de tu voz»).

En 1970 consiguió comenzar su carrera como solista. En 1972 realizó una gira por Latinoamérica, teniendo gran repercusión en Argentina su tema «¿Por qué te quiero tanto?». En 1973 se instaló en Buenos Aires, radicándose definitivamente en Argentina en 1981. Realizó varias presentaciones con la cantante argentina Tormenta, grabando un par de sencillos a dúo con ella.

Manolo Galván grabó alrededor de 40 discos, con temas como «Poema del alma», «Deja de llorar», «Te quise, te quiero y te querré», «Hijo de ramera», «¿Por qué te marchas, abuelo?», «Sólo pienso en ti», «Suspiros de amante", aparte de los ya mencionados. Triunfó en 19 festivales en España y participó varias veces en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, lo que hizo que gozara de gran popularidad en la República de Chile.

En su carrera como solista participó en varios festivales y con el tema “Por Que Te Quiero Tanto” es que se les abren las puertas en Argentina.

Mas tarde el tema “Te Quise, Te Quiero Y Te Querré” le sirve para mantenerse en el tope y en 1973 definitivamente se muda a Buenos Aires.

Su carrera continúo con mucho éxito en Argentina y aunque en su tierra casi ya ni se escucha, aun su carrera permanece vigente.

Entre sus temas mas destacados están “El Regreso” de 1971, “Vagabundo” de 1972, “Deja De Llorar” y “Pequeño Gorrión” de 1973.

En 1974 popularizo “Mujer” y “Nuestra Casa”, en 1975 “Tu Silencio”, “Acuérdate De Mi” y otros mas.

Según declaraciones del propio Manolo Galván debe su éxito a Juan Pardo quien siempre ha estado ayudándolo, pues al inicio fue él quien le dió la mano y después le ha proporcionado algunos temas de gran valor.

En el año 2006, Manolo Galván inició su despedida de los escenarios, luego de 40 años de carrera. Su último domicilio fue en Bella Vista, ciudad ubicada en el oeste del Gran Buenos Aires. Su última presentación en Colombia, la hizo al lado de otras grandes figuras de la canción balada, a saber: Rudy Márquez (Venezuela), Nemessio (Colombia),Palito Ortega(Argentina),Vicky(Colombia),Lucho Muñoz(Chile)y Oscar Golden(Colombia), el 03 de Febrero de 2008 en el Diamante de Baseball de Santiago de Cali.

Falleció el 15 de mayo de 2013, a los 66 años de edad a causa de un enfisema pulmonar, en un sanatorio de la localidad de Bella Vista, en las afueras de Buenos Aires.




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sábado, 7 de junio de 2014

José Augusto - Melancolía - LP EMI Odeom (1975)

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INFO:

El cantante brasileño JOSÉ AUGUSTO, siguiendo el la línea de su gran maestro, el popular ROBERTO CARLOS, se introduce en el mercado español de la mano de Ray Girado, autor de populares temas en esta década para muchos solistas españoles (Lorenzo Santamaría, Dyango...). El cantante que había sido conocido por su álbum Candilejas, donde recreaba el tema de Charles Chaplin, vuelve a la carga en este histórico 1975 con "Melancolía". Obviamente su tono y estilo es muy, muy similar al de Roberto, de hecho es tras el mismo, el segundo cantante brasileños más exitoso en mercados de hispanoamerica y España.

Su mejor momento aquí fue en esta época de los 70. El disco fue reeditado con éxito en 1978, lo que da lugar a muchas menciones en Internet de que es su fecha real, cuando apareció esos tres años antes.




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domingo, 1 de junio de 2014

Joan Manuel Serrat - Mediterráneo LP Novola (1971)

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INFO:

¿Qué decir de un álbum del que ya se ha dicho todo?. De un disco en el que, en general, tanto crítica como público siempre ubica en los puestos más altos de las listas de los mejores discos de la historia de la música española. Algo inusual pero es que este “Mediterráneo” (Zafiro / Novola, 1971) tiene una fuerza del que es imposible escapar. Fue largo y difícil el camino. Cansado de todas las presiones sufridas en los años anteriores Serrat emprende una gira por Latinoamérica que dura cinco meses. Durante dicha gira ve el cariño recibido por el pueblo latinoamericano en sus conciertos y se encierra durante unos meses para componer estos diez temas. Diez temas que son la esencia de Serrat. En ellas encontraremos sus deseos y anhelos, sus pensamientos y su estilo de vida, su pasado y su esperado futuro. “Mediterráneo” (Zafiro / Novola, 1971) es Joan Manuel Serrat.

Escribió el Nano para la edición mexicana del disco "Mediterráneo es un puñado de canciones que se escribieron entre agosto y noviembre de 1971 en Calella de Palafrugell (Girona), Fuenterrabía (Guipúzcoa) y Cala d'Or (Mallorca). Siempre junto al mar". Un puñado de canciones que son perfectas composiciones de las que ni sobra ni falta una coma. Y donde el cantautor demuestra la plena madurez que había alcanzado gracias al álbum “Dedicado a Antonio Machado, Poeta” (Zafiro / Novola, 1969).

El mar representa paz, tranquilidad, sosiego, calma y ante todo libertad. Lo mismo que Serrat llevaba buscando después de los tiempos convulsos que había pasado. Una libertad que el barcelonés llevaba años cantando. “Mediterráneo” es la canción perfecta y representa como ninguna otra la esencia de Serrat. Un mar que también estará presente en la sencilla “Barquito de papel”

Junto a “Mediterráneo”, el tema que mejor explica al Serrat de 1971 es “Vagabundear”. Por sus estrofas podemos ver por lo que ha pasado y a la conclusión que ha llegado. “Harto ya de estar harto, ya me cansé de preguntarle al mundo por qué y por qué” así empieza el tema reflejando todas las presiones que había soportado, Serrat se echa al mar y deja que la naturaleza a la que siempre cantó le lleve donde quiera ya que como posteriormente canta “No me siento extranjero en ningún lugar. Donde haya lumbre y vino tengo mi hogar. Y para no olvidarme de lo que fui, mi patria y mi guitarra las llevo en mí. Una es fuerte y es fiel. La otra, un papel”. Toda una declaración de principios.

Multitud de mujeres han dejado su huella en el Nano. “Marta” fue la primera y la que recuerda cuando escucha el rumor del mar; Después llegaron “Penélope”, y su eterna espera con su bolso marrón, y la burlona “Conillet de vellut”. Todas ellas cumplieron en su momento los requisitos que canta en “La mujer que yo quiero”. Pero ninguna de ellas supera a “Lucía”. La más bella historia de amor que tuvo. Nunca de tanto sufrimiento ha salido canción más hermosa.

No se puede hablar de Joan Manuel Serrat sin mencionar la Guerra Civil. En dicho sinsentido fue arrasado el pueblo natal de su madre, Belchite. Ángeles, madre de Serrat, salió sana y salva de milagro después de una trágica historia. “Vencidos”, único tema no original de Serrat, está basado en un poema de León Felipe. En él el poeta zamorano representa el sentimiento de derrota y soledad en una de las figuras literarias más españolas, el Quijote de la Mancha. Ya que entiende que lucharon por unos ideales pero la realidad pudo más. Pero el reflejo más angustioso del paso de la guerra es la excelsa “Pueblo blanco”. Un retrato social desolador del que en contraposición con “Vencidos” no hay esperanza ninguna.

Dichos retratos sociales siempre fueron del gusto del barcelonés. Cantó a los más desfavorecidos e hizo homenajes a personas admiradas que usa para hablar de sí mismo. “Tío Alberto” es uno de estos últimos. Serrat habla de Alberto Puig Palau, un playboy y figura emblemática de la gauche divine. Y Tío Alberto era como era conocido por los gitanos de la ciudad con los que entabló mucha amistad. El otro tema de la misma temática es “Qué va a ser de ti” donde hace en retrato de la burguesía. Un tema que en el momento de la salida del disco levantó mucha polémica.

Fuente: Roberto Macho - laFonoteca.net




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viernes, 16 de mayo de 2014

Los Sirex - Los Sirex - LP Vergara (1965)

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INFO:

En junio de 1959 tres chicos que vivían en los aledaños de la Gran Vía de Barcelona forman un conjunto para imitar los éxitos rocanroleros que venían de los Estados Unidos. Son Guillermo Rodríguez Holgado (bajo), Manolo Madruga (guitarra solista) y José Fontseré (guitarra rítmica). Deciden desde el principio denominarse Los Sirex, nombre propuesto por Guillermo, que trabajaba en la fábrica de gafas de su padre y le gustó esta palabra que nombra un hilo de ajuste de los cristales a la montura.

Por el grupo pasa algún batería hasta que se queda como fijo Luis Gomis de Pruneda. En esa época el cantante es Santi Carulla, con el que se presentan al concurso de noveles “El Show de las 2” (Joaquín Soler Serrano) de Radio Barcelona. Quedan segundos tras un grupo instrumental llamado Los Mustang y Santi se va con ellos. Algún tiempo después Sirex y Mustang serían los dos grupos más emblemáticos de la Ciudad Condal y sus respectivos fans rivales a muerte. Buscan un nuevo cantante y se fijan en Antonio Miquel Cerveró (Leslie), que pronto se convertiría en el líder y portavoz del grupo.

En 1961 se presentan en El Pinar, una cita obligada para los conjuntos barceloneses de la época. El Pinar era una especie de explanada semicubierta en la que una autoescuela hacía sus prácticas, pero que los domingos ofrecía actuaciones de grupos musicales a las que asistían en ocasiones más de mil personas. Allí se consagran como ídolos jóvenes y son contratados en varios barrios para amenizar sus fiestas. En esa época Los Sirex visten de cuero, se tiran por el suelo, ponen poses de rockers made in USA, aunque eso vaya en perjuicio del sonido y los guitarristas den una nota por otra, detalle de escasa importancia en este asunto del rock bronca. Sus letras tienen algún problema de censura, su fama les precede y varias casas discográficas rechazan al grupo.

Aparecen en la película “Superespectáculos del Mundo” (Germán Lorente, 1963), que recorre los espectáculos de variedades de la noche barcelonesa. En el poster de esa peli aparecen anunciados como “Los Sirex y sus Guitarras Eléctricas”. En esta cinta interpretan el tema “Muchacha bonita”. Algunos jóvenes van a las tiendas de discos a comprar esa canción, pero el disco no existe. Por fin, Vergara los ficha y a principios de 1964 aparece su primer EP con dicho título como estrella.

Los Sirex cambian sus cazadoras de cuero por trajes al puro estilo mod, van abandonando el rockabilly inicial y se adaptan a los gustos beat que imperan en el momento, aunque manteniendo un inconfundible estilo y evitando en lo posible hacer covers de grupos ingleses, aunque en sus inicios no tuvieron más remedio que tragar con la costumbre impuesta por las casas discográficas de versionear en español temas que habían triunfado en los mercados anglosajones. Su potencial reside en su cantante Leslie y tras él, siempre en la sombra, Guillermo Rodríguez, bajista, compositor y arreglista de todos los temas del grupo. Un músico, éste último, de planteamientos instrumentales tan sencillos como efectivos, cuya sorda labor ha sido reconocida y valorada muchos años después por las nuevas generaciones de músicos.

A esa “Muchacha bonita”, siguen otros como el memorable “San Carlos Club”, en el que con la música de “Route 66” de Chuck Berry desarrollan un homenaje al lugar donde actuaban habitualmente. Ésta y otras canciones primerizas colocan al grupo en la primera fila de los grupos nacionales, pero les falta algo. Ese algo se lo va a proporcionar un compositor profesional, Laredo, que presenta, a través de la editora Músicas del Mundo una especie de copla titulada “La escoba”. Al grupo no les gusta nada. Leslie modifica la letra y Guillermo, a regañadientes, acepta hacer un arreglo moderno. El resto ya es conocido: nº 1 absoluto en 1965 y uno de los temas más populares del pop español de todos los tiempos. En la cara B de ese mismo disco, uno de los mejores temas de la banda: “El tren de la costa”. Este EP supera los cien mil ejemplares. En 1965 se calcula que el número de tocadiscos en España debía andar por medio millón o poco más. Así que calculen cómo sería el tamaño del éxito.

Entre 1964 y 1966 la actividad de Los Sirex es frenética. Actúan casi todos los días, con eventos tan importantes como el Festival en el Palacio de los Deportes de Barcelona junto a grupos como los suecos Spotnicks, Los Mustang, Los Diablos Negros y Lone Star. En julio de 1965 telonean a The Beatles en su única actuación en Barcelona. Cómo sería la actividad desplegada por el grupo que, tras esta histórica actuación, no se quedan a escuchar a los cuatro de Liverpool, sino que salen pitando hacia Calella, donde tocan tres horas después. En 1966 actúan en el Palacio de los Deportes de Madrid en el Festival de Ídolos que recoge los que se consideraban cinco grupos más famosos de la época: Los Relámpagos, Los Sirex, Los Mustang, Los Bravos y Los Brincos. También en esa época permanecen actuando casi a diario en Madrid, concretamente en la sala Imperator. Ahí comenzará una especial relación del grupo con la capital de España, a la que muchos años después dedicarían un disco. Por si todo esto fuera poco, se suceden los discos con canciones de éxito como “Que se mueran los feos”, que también alcanzaría el puesto cabecero de las listas, “Que bueno, que bueno” y ya en 1967 “Brindis” y “Faldas cortas, piernas largas”.

A partir de 1968 la estrella Sirex comienza a declinar un tanto, aunque todavía editarán trabajos tan importantes como un single con dos versiones magistrales: “¡Fuego!" y "Soy tremendo”, que de nuevo les auparán a los primeros puestos de éxito y ventas. En 1969 realizarán una larga gira por Sudamérica junto a Joan Manuel Serrat y Marisol. En 1971, en vísperas del nacimiento de la primera hija de Leslie y tras la retirada el año anterior de Luis, el batería del grupo, Los Sirex echan el telón para dedicarse a los negocios.

Pero ocurre que cuando se es un purasangre no hay más remedio que galopar. En 1977, en plena fiebre revival, el productor Gay Mercader reúne en el Palacio de los Deportes, bajo el título de “Hasta Luego, Cocodrilo”, a Los Sirex, Los Mustang, Los Gatos Negros, Los Salvajes y Los Cheyenes. A la cita acuden 18.000 personas. Los Sirex se animan y vuelven a la carretera, con el único cambio sobre el quinteto original del guitarrista Juanjo Calvo en sustitución de Manolo Madruga.

En 1978 Los Sirex, que tras su regreso apenas han actuado unas pocas veces, son invitados a participar en el Festival Canet Rock 78, alternando con la flor y nata de la música progresiva española más grupos como Tequila, Ultravox o Blondie. Su actuación está programada a las 7 de la mañana, hora infame reservada normalmente a grupos catalanes de segunda fila. Cuando Los Sirex arrancan con “El tren de la costa”, miles de jóvenes somnolientos abandonan precipitadamente sus tiendas de campaña, frotándose sus ojos y sus oídos. La leyenda Sirex queda allí escrita y una nueva generación ovaciona a ese grupo que alguna vez oyeron mencionar a sus padres. Después, varios LP en distintos sellos, actuaciones habituales en los veranos catalanes, antologías de su obra que venden miles de ejemplares y otra vez entre los diez primeros de las listas de ventas en 1980 con su single “Maldigo mi destino".

En septiembre de 2012, el primero de estos purasangres, el batería Luis Gomis, nos dejó para siempre. Pocos días después también falleció Manolo Madruga.

Ojalá que esta biografía sirva a los más jóvenes para descubrir un conjunto indispensable que llevó, y lleva, el rock en las venas. Los Sirex, un grupo de buenos músicos y de buena gente. Por mucho que rebusquemos en archivos y entrevistas, no encontraremos ningún comentario negativo sobre ellos. Por algo será.

El Disco:

En la mayor parte de la década de los 60 cuando un solista o grupo había realizado varios discos pequeños con un buen número de ventas, su discográfica recogía esas grabaciones y las editaba en formato grande; es decir, en LP. De este modo, estos discos de 33rpm eran fundamentalmente colecciones de canciones anteriormente editadas, completadas con algún descarte de singles y EP anteriores. Esta norma no escrita la aplicaban casi todas las discográficas que no se la jugaban con discos caros que eran poco comprados por los raquíticos bolsillos de los jóvenes de aquellos tiempos.

En 1965, con motivo de las Navidades, fecha en la que se vendían un importante número de discos, Vergara decide publicar el primer larga duración de Los Sirex. En él encontramos siete temas que ya habían sido publicados, incluyendo sus tres grandes éxitos, y cuatro más que a principios del siguiente año saldrían publicados en EP. Por tanto, se puede considerar ante todo una antología momentánea del grupo.

Por otra parte, Los Sirex, por la duración estándar de sus canciones y por su contenido eminentemente pop es sobre todo un grupo de discos pequeños y ninguno de los LP que se publicaron mientras estuvieron en activo gozaron de grandes ventas. Otra cosa bien distinta han sido las antologías publicadas en los años 80 y 90, que recogían la historia musical del grupo y que se vendieron, y se siguen vendiendo, muy bien.

Fuente: Julián Molero - lafonoteca.net




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domingo, 11 de mayo de 2014

Los Top-Son - Discografía Completa (LP Dial Discos, Alligator Records 1984)

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El Disco:

Cocodrilo Records publicó durante las décadas de los 80 y los 90 una serie de discos bajo el nombre de Historia de la Música Pop Española. Esta colección, de tirada restringida y destinada fundamentalmente a coleccionistas, ha realizado una labor fundamental en la preservación de la música española de los años 60, especialmente en el caso de aquellos grupos menos conocidos. Esta empresa no debería caer en saco roto, pues la historia de la música pop de los primeros tiempos no debería reducirse a quince o veinte nombres famosos, sino a la pléyade de grupos y solistas que pusieron en marcha con evidentes dificultades de todo tipo ese fenómeno social que hoy llamamos música rock o música pop.

Fuente: Julián Molero - lafonoteca.net




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domingo, 4 de mayo de 2014

Los Puntos - Cuando Salga La Luna - LP Polydor (1973)

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INFO:

En estas cosas de la música a veces ocurren milagros. Pues milagroso resulta que un grupo de muchachos que forman un conjunto para amenizar los bailes en un remoto pueblo de la España profunda lleguen a ser uno de los grandes grupos de la historia del pop español. Sus primeras actuaciones datan de 1967, el pueblo se llama Cuevas del Almanzora y el conjunto se bautiza como Los Puntos…el resto, una leyenda de moros y cristianos.

Los cinco se conocen desde la infancia, como cabe suponer entre vecinos de una localidad que por entonces no llegaba a los cinco mil habitantes. La cabeza del grupo es Pepe González Grano de Oro (guitarra). Con él, su hermano Alfonso (cantante), el bajista José Belmonte, el teclista José Antonio Martínez y Agustín –Tato- Flores en la batería.

Sus inicios son, como todos en esos tiempos, haciendo covers de las canciones de moda, que interpretaban en los bailes dominicales de su tierra almeriense. Pronto deciden que si quieren llegar a algo deben componer sus propios temas y darse a conocer fuera de su provincia. Viajan a Madrid. Su calidad e ideas no pasan desapercibidas en las pocas oportunidades que se les brindan. Polydor los va a fichar en 1969 y ese mismo año aparecerá su primer sencillo: “Miguel / Allá en el Mar” (Polydor, 1969). Pasa totalmente inadvertido. Los Puntos aparecen como un grupo tosco, de instrumentaciones un tanto recargadas y con un estilo cercano a Los Bravos. Al año siguiente, van a conseguir su primer éxito; al menos un éxito relativo. “Good Morning” (Polydor, 1970) con el que van a aparecer por primera vez en una lista de venta, aunque alejados de los puestos cabeceros. En su sello andan locos por encontrar unos nuevos Fórmula V y su estilo se parece en ese momento bastante a este grupo, de los que se van a convertir en serios rivales, compitiendo por el mismo amplio sector de público.

Van a producirse dos cambios fundamentales, entrando en la formación el cantante José Pérez y el teclista Eduardo Sánchez-Manzanera que van a cambiar sustancialmente el sonido del grupo. Pero el asunto no va a ser fácil, pues durante el año 1971 van a publicar algunos singles bastante mediocres, hasta que llega “Magdalena / Arco Iris” (Polydor, 1971) que vuelve a llevarlos a las listas. A partir de ese sencillo van a comenzar a dibujar un sonido propio basado en canciones a menudo cantadas a dos voces, intervenciones ornamentales de los teclados más modernos del mercado y una pareja rítmica que empuja los temas como una biela incansable.

El grupo sigue fiel a sus raíces y continúa residiendo habitualmente en su pueblo. Desde allí crean algunos de los temas más recordados de la década de los 70. Su primer hit será “Cuando Salga la Luna” (Polydor, 1973) con la que alcanzarán el top 3 de ventas nacionales. Ese mismo año publicarán su primer long play de título homónimo al del citado single. A partir de ahí, Los Puntos van a realizar sus mejores canciones, introduciendo elementos arábigos en la instrumentación y las melodías sin perder un ápice de la fresca comercialidad que caracterizaba sus temas. Antes de finalizar 1973 tendrán el doloroso honor de ser el único grupo participante en el homenaje póstumo a Nino Bravo, celebrado en la plaza de toros de Valencia.

Su mejor año sería justo el siguiente con temas como el pachanguero “Esa Niña que me Mira” (Polydor, 1974) o la memorable “Llorando por Granada”(Polydor, 1974) en la que se reúnen en poco más de tres minutos las influencias arábigo-andaluzas y el pop alrededor de una letra que es casi una lección de historia. Ambos discos rozan el número uno absoluto de ventas sin llegar a conseguirlo. Por ese mismo camino de las raíces árabes traídas a las propuestas del pop más comercial, llegarán poco después otras canciones importantes del grupo, como ese himno costumbrista rural titulado “Feria”, “Tierra cristiana” o “El sur”, con el que por fin lograrán el esquivo puesto cabecero de Los 40 Principales, a pesar de no ser de lo mejor de su producción. Así de caprichoso es esto de los rankings de popularidad y ventas.

En 1978 cerrarán su carrera sin grandes alardes ni despedidas. Simplemente, sus propuestas musicales habían quedado agotadas. Pero pronto tendrían continuación, pues Pepe Grano de Oro, Belmonte, Tato Flores y Eduardo formarían Almanzora, un grupo bautizado con el nombre del río de su pueblo, emparentado con el rock andaluz. Bajo ese nombre grabarían varios LP en los siguientes años y se convertirían en uno de los grupos principales de dicha especialidad.

Cuevas del Almanzora nombraría en 1998 a los componentes del grupo hijos predilectos en un homenaje en el que literalmente participó el pueblo entero. Por otra parte, Los Puntos aparecen también entre los 100 personajes almerienses más importantes de todo el siglo XX.

Ya en el actual siglo XXI, los hermanos Grano de Oro rehicieron el grupo y en 2008 dieron una gira por todo el país. Pero este regreso se vería ensombrecido por el fallecimiento en julio del 2007 de Tato, el batería, muerto de un infarto mientras practicaba la espeleología en una de las muchas cuevas que denominan a su localidad natal. Dos años después le seguiría Eduardo.

No sería justo meter a Los Puntos en el saco de los conjuntos horteras de los primeros 70, pues si bien algunos de sus temas buscan descaradamente la comercialidad en la misma onda que Los Diablos o Fórmula V, en sus últimos años compusieron temas de una calidad notable en los que fusionaron músicas muy diversas sin caer nunca en la pedantería o la pesadez.

El Disco:

Al rebufo de su exitoso single homónimo, la discográfica se saca de la manga el primer largo de la banda. De las doce canciones de “Cuando Salga la Luna” (Polydor, 1973), más de la mitad ya habían sido publicadas anteriormente, por lo que no tiene demasiado de novedad.

Este semirecopilatorio tiene el interés de reunir en un solo vinilo los anteriores sencillos del grupo: “Magdalena” (Polydor, 1972), “Ana Vuelve a Casa” (Polydor, 1973) y, por supuesto, el que presta su título: “Cuando Salga la Luna” (Polydor, 1973).

Un disco de escaso interés, pero que ponía en tamaño grande las canciones del grupo y abría una costumbre para Los Puntos, que fueron posteriormente sacando long plays cuando alguno de sus sencillos funcionaban comercialmente.

Fuente: Julián Molero - lafonoteca.net




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