lunes, 13 de octubre de 2014

Sandie Shaw - Marionetas En La Cuerda Canta En Español [EP Hispavox] (1967)

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Sandie Shaw

Su triunfo en Eurovisión 1967 con "Puppet on a string" fue el hecho que marcó su consagración definitiva a nivel mundial. Sandie había sido designada internamente por la BBC y se celebró una gala dentro del programa The Rolf Harris Show el 25 de febrero para elegir la canción entre 5 candidatas. En Viena Puppet on a String consiguió más del doble de puntos que la segunda clasificada, la irlandesa "If I could choose", aunque no llegó a la diferencia de puntos conseguida por Gigliola Cinquetti en 1964. El tema se convirtió en su tercer – y último- número 1 a pesar de las reservas que ella misma tenía, tanto hacia la canción como hacia el propio hecho de participar en Eurovisión. Sus críticas (y contra-críticas) hacia el Festival han durado hasta la actualidad.





martes, 23 de septiembre de 2014

Leandro - Silvia / Lo Que Antes Fui -Single EMI (1972)

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Leandro

Pudo ser uno de los grandes de la música española. En solo dos años de actividad planteó como nadie la unión entre la música de cantautor y la canción melódica. La carretera y su trágica muerte lo hermanó con otros grandes: Nino Bravo, Juan Camacho, Cecilia, Los Ángeles, Bruno Lomas, Eduardo Benavente…

Leandro Sánchez Ruiz nació en 1946 en el barrio almeriense de La Almedina, en pleno casco histórico de la ciudad. Estudia Bachillerato en su ciudad natal, pero no finalizará sus estudios. Desde niño destacó por sus dotes para cantar, ingresando en el coro de la catedral de su ciudad, donde recibirá clases de música. Hacia 1963 doblará el mapa de España en diagonal e irá a vivir con unos familiares a Ferrol. Allí seguirá estudiando y pronto se enrolará en un barco pesquero. Esa va a ser su particular universidad artística y vital. Comenzará a componer sus primeras canciones y a soñar con una vida dedicada profesionalmente a la música. Cuando repasamos sus canciones, nos damos cuenta de la vinculación del cantante con el mar, presente en la letra de sus canciones y, de alguna manera, también en la música, de fuerte componente mediterráneo.

En 1967 se traslada a Madrid con la única pretensión de iniciar una carrera musical. Pronto entrará como cantante en un grupo llamado IV Revolución, que aunque no tiene discos en el mercado, gozaba de un cierto renombre entre los conjuntos capitalinos.

El nuevo cantante eclipsará a sus compañeros madrileños y empezará a moverse por distintos sellos discográficos. Finalmente, encontrará acomodo en EMI, que en principio lo ubicará en su división Regal. Al tratarse de un sello catalán, Leandro y su IV Revolución, convertida en su banda de acompañamiento, se trasladan a Barcelona para hacer sus primeras grabaciones. Así nace: “La Mar / Rosas Rojas” (Regal, 1969), ambas compuestas por él mismo. Al siguiente año se presenta en su tierra, en el “Festival de Almería”, logrando plaza de finalista con una canción dedicada a su gente: “Donde me críe”, que nunca sería editado oficialmente en disco.

Su primer single se escuchó poco, pero a la segunda iría la vencida. “Mi Barca Construiré / La Pobre Mía” (Regal, 1970). El disco entra en el top 10 y se escucha por doquier. Si esto fuera poco, la canción de la cara B es versioneada por el grupo chileno Los Golpes, consiguiendo un importante impacto en su país.

Leandro era ante todo un cantautor moderno, al estilo de Manolo Díaz, pero también era un cantante melódico, al estilo de Lorenzo Santamaría, por poner un ejemplo. Aunque él siempre renegó de sus temas más comerciales. Su estilo compositivo supuso un viraje hacia el pop y la música melódica, lo que suponía una clara evolución respecto a los adustos cantautores de la canción protesta, sin perder por ello algunos matices sociales en su letra.

El buen comportamiento (léase negocio) de su segundo sencillo le hace ascender a Odeón, la primera división de EMI. Allí va a registrar nuevos singles que definen la obra de este autor. “El Hombre del Tanque Rosa” (EMI Odeón, 1971) supone una zambullida en las aguas del pop con una letra de lo más interesante. También volverá a visitar el top 10 de sencillos. Continuará su trayectoria con “Super-Jet / Mujer” (EMI Odeón, 1971), que seguirá cimentando una carrera de lo más prometedora.

En 1972 vuelve a regañadientes a los festivales, concretamente al de Almería, con la canción “Silvia” (EMI Odeón, 1972). Una pieza que no está entre lo mejor de su obra y que será eliminada en primera ronda. Eso ocurría el 28 de julio en pleno jaleo de galas veraniegas. Apenas dos semanas después, el 14 de agosto, la fecha con más trabajo para los músicos de toda España, Leandro viaja hacia Madrid donde está contratado aquella noche. No llegará. En la provincia de Albacete acabará para siempre su carrera. La carretera le cobra al pop español uno de sus primeros peajes; después vendrán muchos otros.

Se publicara su único LP: “Su Obra” (EMI Odeón, 1972), que no es otra cosa que un recopilatorio de los dos años anteriores. En algo coinciden todas las fuentes consultadas y a ellas me sumo tras escuchar detenidamente sus singles. Leandro no dio de sí ni la décima parte de lo que podía haber desarrollado y estaba llamado a ser uno de los más grandes compositores de nuestra música. ¡Maldita carretera!

EL DISCO

Dos semanas antes de su fallecimiento, Leandro estrenaba en los Jardines La Salle, en el marco del Festival de la Canción de Almeria, su canción “Silvia”. Una balada edulcorada y con poco fuste que no logró el paso a la final. Recursos manidos como el recitado intermedio terminado en un grito, bajo la voz del propio cantante y un coro femenino que entonan la canción, intentan dar un cierto empaque a una pieza pesada y poco inspirada en lo melódico.

Un tema lento con aire de cuento infantil, violines y mucho despliegue instrumental conforman “Lo que antes fui”, otra de esas canciones con las que Leandro se confiesa. De todos modos, tanto en ésta como en “Silvia”, Leandro hace excesivas concesiones a la canción melódica, tal como se entendía en la España de los primeros 70 y en la que primaban las dotes vocales sobre la originalidad. Un paso atrás en la carrera de este cantante que se llevó la carretera. Y es que los músicos, desgraciadamente, son carne de rueda. Con la muerte de Leandro se abriría una década trágica para la música española.

Fuente: Julián Molero - laFonoteca.net




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martes, 16 de septiembre de 2014

Alberto Bourbon - Un Día Más - Pobre Juan - Single RCA (1970)

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Alberto Bourbon

El día de San José de 1944 nace en Madrid José Alberto Bourbon Ruiz. Su padre es un joven diplomático francés casado con una española. Naturalmente, hace sus estudios primarios en el Liceo Francés de la capital de España. En 1959 la familia regresa a Francia, pero ya antes José Alberto había formado parte de algún incipiente conjunto musical.

En Paris, su tío Jean es empresario del espectáculo y representante de numerosos artistas galos. Colocará a Alberto en distintos puestos y participará en la organización de giras de varios cantantes. Ahí le picará el insecto de la música y su veneno lo llevará ya siempre en la sangre. Aquel empleo le durará hasta 1962, año en el que decide dar un giro a su vida y se alista voluntario en el ejército francés, siendo destinado a las fuerzas de ocupación en Alemania.

En 1965 termina sus obligaciones militares y marcha a Londres para hacerse cantante. A principios de 1967 se establecerá, ya para siempre, en Madrid. Plantará su cuartel general en el Whisky Jazz, templo del género. A él le gusta el jazz; sin embargo, es la época de la eclosión de los cantautores y Alberto Bourbon se sube muchos días al escenario para desgranar sus canciones con el único acompañamiento de una guitarra.

Su voz grave y la calidad sus composiciones no van a pasar desapercibidas. Pronto echará a rodar su primer sencillo: “El Metro” (CEM, 1968). Una auténtica crónica cargada de imágenes de un viaje en el tubo madrileño. La canción y el nombre de su cantautor se escuchan en las emisoras y los habituales músicos del garito de jazz acunarán el debut del neófito. Aún más se escuchará “La Niña de mi Barrio / Un Domingo en mis Calles” (CEM, 1968) que entrará en las listas de ventas. Su voz se compara a la de otro cantautor principiante, Patxi Andión, con el que guarda bastantes similitudes.

El reconocimiento que rápidamente han obtenido sus dos discos, hace que la RCA se fije en él y lo incorpore a su compañía. Con esta marca grabará tres singles en 1970, que venderán menos que los anteriores. El más destacable de ellos es con mucho: “En un Mechón de la Noche / Robaré Besos y Flores” (RCA, 1970), dos de sus mejores canciones de siempre.

Será en RCA donde firmará sus discos con su verdadero nombre de Alberto Bourbon, pues sus dos sencillos editados en CEM aparecerán firmados como Burbón y Alberto Burbon respectivamente.

En 1971 sufrirá un gravísimo accidente de tráfico que casi le cuesta la vida y que le mantuvo tres años alejado de estudios y escenarios. Es una época en que se dedica sobre todo a componer. En este aspecto, las cosas le ruedan de maravilla. Durante la primera mitad de los 70, escribirá canciones para Massiel, Mocedades, Isabel Patton y Rocío Jurado, por citar solo nombres españoles.

Pero el Alberto Bourbon compositor no quiere que desaparezca el cantante y regresará con un LP: “Años de Amor” (RCA, 1974). En este disco brillará “Antes de Ti no Hubo Antes” (RCA, 1974), su grabación más conocida y una de las mejores baladas de la década de los 70. Esta canción devolverá al cantante a las listas de ventas y a las pantallas de la televisión.

El efecto “Antes de ti no hubo antes” guardó la paradoja de un aumento del prestigio de Alberto Bourbon como autor, pero no como cantante. Al año siguiente grabaría un nuevo long play: “Estoy Aquí” (RCA, 1975) con el que pondrá fin a su carrera de cantante. A partir de ahí seguiría componiendo y se convertiría durante años en el productor de Rocío Jurado, que bajo su dirección lograría buena parte de sus mayores triunfos discográficos.

A partir de los 90, la figura de Alberto Bourbon se diluye en el humo de los cigarrillos y pasea su figura bohemia por la noche madrileña, casi siempre ligado a sus queridos ambientes jazzísticos. Fallecerá en Madrid en 2001, víctima de un ataque cardíaco. Solo el empeño de Rama Lama, que publicará su “Todas sus Grabaciones” (Rama Lama, 2003), mantendrá el recuerdo de uno de los más destacados cantautores españoles.

Sus canciones, imbuidas de Brel, son ante todo poesía. Unas letras costumbristas le convierten en el cronista de los 70, alejado de la mordacidad y los lugares comunes con los oídos siempre atentos y los ojos cargados de benevolencia hacia la realidad que le rodea.

El Disco:

Otra vez la sombra de Jacques Brel en sus tiempos rápidos planea e inunda “Un día más” . Otra letra memorable de Bourbon, esta vez con una música dinámica. La vida es dura y siempre lo fue sería el corolario de esta canción: “Un día más que hay que quemar sin llorar, un día más que olvidar·.

Retórica, enfática, esdrújula y tremendamente francesa es la historia del organillero fallecido “Pobre Juan”, un tema con un brutal cambio de ritmo en el que Alberto se desgarra tal vez en exceso.

Fuente: lafonoteca.net




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martes, 9 de septiembre de 2014

Los Rockeros (1965-1968)


Los Rockeros nacieron en los años 60, cuando Bruno Lomas, después de sus conflictos con el resto de miembros de Los Top Son, salió de este grupo y se unió a los Diápasons. Así nació un nuevo conjunto conocido como "Las Estrellas de Fuego". Junto a Bruno se encontraban Joaquín Villanueva "Cuco", guitarra solista; Pascual Cortés "Pipo", guitarra rítmica y voz; Vicente Buj "Sento", bajo; y Luis Segarra "Lucho", batería. Puro rock and roll en su repertorio.


Poco después de juntarse, y durante un viaje a París en el que actuaron en tugurios poco recomendables, tuvieron la suerte de conocer a Bruno Coquatrix, dueño del mítico Olympia. Fue Coquatrix quien les produjo su primer single a finales de 1963, y quien les convenció para que se cambiaran el nombre. Así, Las Estrellas de Fuego se convirtieron en Los Rockeros. El disco producido contenía "Sé, sé nena" y "Perfidia".


Pese al éxito que tuvieron en París, no pudieron competir con otros grupos nacidos en la capital francesa y volvieron a Valencia en 1964, donde se les incorporó un nuevo batería, Galileo Marco, comenzando así una nueva etapa para el grupo, en la que Bruno iba convirtiéndose en la estrella de Los Rockeros. Poco a poco, fue desentendiéndose del grupo y en 1966 empezó a volar en solitario. Si bien, aun colaboraría con su viejo grupo, ya que Los Rockeros acompañaron en muchas ocasiones a Bruno en sus actuaciones.


Pero Los Rockeros no desaparecieron tras la marcha de Bruno Lomas. Al contrario, aunaron esfuerzos para continuar en el mundillo del rock español. Lanzaron un par más de EPs, cuarto y quinto respectivamente, y lograron un gran éxito con una de las canciones de este último: "El teléfono" un tema muy pegadizo y socarrón. En 1968 se despidieron del mundo musical con su último EP, "Viejos caminos".



LOS ROCKEROS 1965-1968







lunes, 10 de febrero de 2014

Bruno Lomas - Be Bop A Lula / Zapatos Azules De Gamuza [SG Discophon] (1973)


Bruno Lomas, nos sorprende con este nuevo single que contiene dos canciones que ya había grabado en otras ocasiones, pero que ahora suenan con un sonido más fresco y potente. Se trata de “Be-Bop-A-Lula”, el himno de Gene Vincent que Bruno versionó en 1965, y de “Zapatos azules de gamuza”, el éxito de Carl Perkins que Bruno reinterpretó en 1968. Ambas canciones están soberbiamente interpretadas y grabadas, destacando especialmente la cara B, que se ha convertido en un hit en las radios.

Este disco ha sido un triunfo para el cantante, que ha sabido conectar con el público joven y recuperar el cariño de sus antiguos fans. El disco ha alcanzado el top 20 nacional, demostrando que el rock and roll clásico es una fórmula infalible para Bruno Lomas.




jueves, 19 de diciembre de 2013

Bruno Lomas - Ven sin Temor [Video] (1972)



En este video, el cantante valenciano Bruno Lomas nos deleita con uno de sus mayores éxitos: “Ven sin temor”. Se trata de una versión en español del tema “How do you do” del dúo holandés Mouth & MacNeal, que triunfó en varios países europeos. “Ven sin temor” alcanzó el número uno en las listas de ventas, se convirtió en un himno de las discotecas y relanzó la carrera del artista.


Bruno Lomas - Ven sin Temor [SG Discophon] (1972)


Bruno Lomas estaba al borde del olvido cuando encontró la canción que cambiaría su destino. Se trataba de “How do you do”, un éxito británico que él adaptó al español con el título de “Ven sin temor”. Con su voz potente y su estilo personal, Bruno Lomas hizo suya la canción y la convirtió en un fenómeno musical. “Ven sin temor” fue número uno en las listas de ventas, sonó en todas las radios y devolvió la fama al cantante.

La canción tenía una estructura original, con dos partes muy diferentes que se alternaban. En una, Bruno Lomas cantaba con fuerza y ritmo, demostrando su experiencia y su carisma. En la otra, una voz femenina suave y dulce, acompañada por un cuarteto de cuerda, aportaba un toque de elegancia y sensibilidad. El contraste entre ambas partes hacía que la canción fuera más atractiva y sorprendente.

En el lado B del disco, Bruno Lomas incluyó una canción propia, firmada con su verdadero nombre, Emilio Boldoví. Se titulaba “Dame tu amor” y era una balada romántica con un ritmo marcado por la batería y unos arreglos de viento inspirados en las grandes bandas de soul de Chicago. Era una buena canción que mostraba la versatilidad y la creatividad de Bruno Lomas como compositor e intérprete.




miércoles, 18 de diciembre de 2013

Bruno Lomas - “Lo que a ti te falta”/ “Yo soñé” [SG Discophon] (1970)


Este single es el único lanzamiento de Bruno Lomas en 1970, un año en el que el cantante valenciano experimentó con nuevos sonidos y estilos. El disco se compone de dos canciones: una versión en la cara A y una composición propia en la cara B.

En la cara A, Bruno interpreta “Lo que a ti te falta”, una adaptación al español del éxito de George Baker, “Little Green Bag”. Con el apoyo de su banda, Bruno consigue darle un toque personal y dinámico a la canción, que se caracteriza por un ritmo sincopado y una variedad de instrumentos, como guitarras, órgano, trompeta y saxofón.

En la cara B, Bruno nos ofrece “Yo soñé”, una canción de su autoría (firmada como E. Boldoví) que muestra su faceta más rockera. Con influencias del rock progresivo, Bruno crea una atmósfera psicodélica y envolvente, con guitarras distorsionadas, teclados electrónicos y efectos de sonido.

Este single es una muestra de la versatilidad y la creatividad de Bruno Lomas, uno de los pioneros del rock español.



lunes, 18 de noviembre de 2013

Los Ángeles (1960 - 1970, 1990)



Los Ángeles fueron un grupo de Granada (España) formado en 1963 y cuya carrera se vio truncada en 1976 cuando un accidente de tráfico acabó con la vida de dos de sus miembros, Poncho y José Luis.
La característica más distintiva de este grupo granadino fueron sus juegos y armonías a cuatro voces.
La formación más estable de Los Ángeles estuvo formada por:
  • Alfonso Poncho González Rodríguez: batería y voz solista.
  • Carlos Álvarez Pérez: guitarra solita y voz.
  • José Agustín Rodríguez Ampudia: guitarra rítmica y voz.
  • Francisco Paco Quero López: bajo y voz.

Además de estos 4 miembros principales, varios músicos formaron parte Los Ángeles temporalmente. Cabe destacar a José Luis García Román, conocido como José Luis Avellaneda, que sustituyó a Agustín Rodríguez entre 1972 y 1976.

En la historia de Los Ángeles se puede distinguir una primera época que abarca desde su fundación en 1963 hasta su fichaje por Hispavox a finales de 1966. Durante esta primera época se hicieron llamar Los Ángeles Azules (en un principio The Blue Angels).

El grupo lo fundaron Javier Muñoz Pérez del Pulgar (bajo) y Julián José Granados Ramos, primer cantante del grupo, que dejó Los Ángeles Azules antes de que grabaran sus primeros temas y que luego siguió su carrera musical en Los Brisks, Los Buenos y más tarde en solitario.

A ellos se unieron Miguel Megías (pianista), Alfonso ‘Poncho’ González (batería y voz) y los 2 guitarras, Agustín Rodríguez y Carlos Álvarez.

Durante esta primera etapa, Los Ángeles Azules lograron darse a conocer en Granada y la Costa del Sol (incluido Torremolinos) y grabaron en Madrid dos EPs de 4 canciones con la compañía Phillips (”Estos son los Ángeles Azules” y “Los Ángeles Azules”) que incluían versiones de canciones de ‘orientación italofrancesa’.

En 1965 Javier y Miguel se marcharon a la mili y optaron abandonar el mundo de la música. El grupo orientó entonces su música más hacia el pop angloamericano, con The Beatles como claro referente, y decidieron seguir como cuarteto de 2 guitarras, bajo (puesto al que se incorpora Francisco Quero) y batería.

En 1966 grabaron un nuevo EP en Madrid para Discos Berta, en el que incluyeron un tema propio, “Canto a lo español”, con el que alcanzaron cierto éxito.

En las Navidades de 1966 el rey mago de Hispavox, Rafael Trabuchelli, les deja un contrato en sus zapatos y fichan por este sello. A principios de 1967 graban un primer single "Escápate / ¿Has Amado Alguna Vez?" (Hispavox, 1967) con versiones de Georgie Fame y Dave Clark Five. Será con "98.6", versión del tema del cantante Keith incluida en el single "98.6 / Me Haces Sentirme tan Dichoso" (Hispavox, 1967), con el que entren en el top 10 nacional y el nombre de Los Ángeles empieza a escucharse por doquier.

Y es en este punto donde comenzó la época más gloriosa de Los Ángeles, gracias a una mezcla de versiones de éxitos del pop inglés y americano con temas propios. Esta época dorada se prolongó aproximadamente hasta 1971.

Su primer gran éxito les llegó en 1967 con “98.6″, versión de la canción del músico estadounidense Keith.

En 1967 grabaron el tema “The silence is golden” de The Tremeloes que fueron más conocidos en España que en Gran Bretaña. Los Ángeles les ganaron en su propio terreno y vendieron más que ellos mismos, haciendo una versión realmente memorable, tanto en instrumentación como en las voces, que el grupo granadino interpretaba como nadie.

Siguieron grabando versiones y en 1968 vuelven a dar en la diana con “Dime, dime”, versión de “Bend me shape me” de American Bread. Simultáneamente comienzan a colocar en las caras B algunos temas propios compuestos por su líder, Poncho González. Su sonido en esos momentos se basa en un esplendido juego vocal, un buen directo, cierto aire beat en las instrumentaciones y unas melodías que entran de lleno en el pop más comercial que se hacía en esos momentos por el mundo, sin desmerecer en absoluto de los grandes grupos y solistas británicos de la especialidad. Una música sin estridencias, con buen gusto, excelente afinación vocal y ritmos sostenidos. Cuando uno escucha con detenimiento sus canciones descubre que, al margen de gustos, nada sobra ni falta en ellas. También el productor Trabuchelli hizo lo suyo para lograr ese aura de perfección formal que rodeó siempre al grupo.

Van a lograr con “Mañana, Mañana” (Hispavox, 1968) tal vez el mayor bombazo de toda su carrera, aunque por muy poco no sería nº1 absoluto de ventas. Pero ese mismo año el tararí de la corneta militar va a trastocar todos los planes. Paco y Agustín deben defender a la patria de recónditos enemigos y son sustituidos por Pepe Robles y Santiago Villaseñor respectivamente. Pepe va a componer algunos temas para Los Ángeles y al regreso de Paco, formará, siempre de la mano de Trabuchelli, el fantástico grupo Módulos. Antes de que termine la década tienen el dudoso honor de ser elegidos para tocar en la puesta de largo de la nieta de Franco. Se ganan con todo merecimiento el apodo de Los Beatles Españoles con el que los locutores de la época presentan sus canciones en las emisoras de radio de todo el país. Ese mismo intenso año debutan en la gran pantalla con "1,2,3... Al Escondite Inglés" (Iván Zulueta, 1968) en la que participan otros grupos del momento: Los Bravos, Shelly y Nueva Generación, Los Íberos, etc.

El mismo Pepe recuerda la personalidad de Poncho González en una entrevista: “Poncho era un hombre inteligente, muy diplomático, con gran sentido del humor y buen músico. Además era muy serio en sus planteamientos a la hora de dirigir su grupo. Él componía todos los temas, aunque al entrar yo, compusimos tres o cuatro canciones juntos”.

Reagrupados los cuatro miembros originales, rodarán la película “A 45 Revoluciones por Minuto” (Pedro Lazaga, 1969) en la que también intervinieron Juan Pardo, Ivana y Fórmula V.

Cartel de la película: “A 45 Revoluciones por Minuto”

Antes de finalizar la década van a manufacturar dos de sus mejores sencillos "Lo Mucho que te Quiero" (Hispavox, 1969) “Mónica” / Te Presentí (Hispavox, 1969) y “Momentos / Pequeñas Cosas” (Hispavox, 1969). En esos momentos, Los Ángeles era uno de los conjuntos más populares de nuestro país y casi todo el material que grababan salía de las manos y la cabeza de su líder, Poncho González.

Estrenan década viajando a Cuba para actuar en el Festival de Varadero y ganándose multitud de fans en la isla y en otros países centroamericanos. También hacen versiones en inglés de algunos de sus éxitos que son publicadas en media Europa.

En 1971 sacan un sencillo "Abre tu Ventana" / "Óyeme, Niña" (Hispavox, (1971) que hasta cierto punto endereza la carrera de Los Ángeles en los comercios, aunque sin alcanzar ni de lejos las grandes ventas de antaño.

“Abre tu ventana” es un tema comercial al uso. Ritmo alegre, trompeteo por doquier, letra anodina, pero estimulante para los pies de los bailarines de aquellos inolvidables bailes de los domingos por la tarde. Buen tratamiento de ritmo y la percusión… y poco más.

Con “Óyeme, niña” recuperan el gusto por los coros a cuatro voces, que tanto les había dado en años anteriores. Buen desarrollo vocal al servicio de una melodía sin ningún atractivo y unos arreglos orquestales absolutamente previsibles y repetitivos.

En 1972 uno de sus fundadores, Agustín Rodríguez deja el grupo para ser inmediatamente sustituido por José Luis Avellaneda -su verdadero nombre era José Luis García Román-. El cambio de guitarra rítmica y los vientos musicales de aquellos años 70 hacen que los temas de Los Ángeles se tornen más acústicos con planteamientos cercanos al folk rock de grupos como América o Crosby, Stills, Nash & Young. Siguen grabando con regularidad, pero sus discos ya no se venden tan bien como antes. El sencillo “Raquel” (Hispavox, 1975) va a devolverlos fugazmente a las listas de ventas.

El 26 de septiembre de 1976 cuando el verano echaba el cierre, un Seat 124 se estrella en Motilla del Palancar. El día anterior habían actuado en Tarragona, habían parado en Valencia para dormir un rato y ahora se iban camino de Madrid. Poncho González y José Luis Avellaneda fallecen en el accidente, Carlos Alvárez sufre graves lesiones que le mantendrán largo tiempo hospitalizado. Paco Quero se salva gracias a que era ese día el encargado de trasladar el equipo a Granada en el furgón del grupo tras finalizar los compromisos veraniegos. Aquello supuso una auténtica conmoción para todos los conjuntos españoles que finalizaban otra ajetreada temporada.

La última canción publicada por Los Ángeles fue “Nada va a cambiar el mundo”, en verano de 1976. Tras la tragedia, esta canción fue relanzada en otoño, el ultimo single que Los Ángeles publicarían unos meses antes de su trágica desaparición. La cara A es un himno que nos habla de buenos sentimientos.

La cara B: “Din Don” es un tema compuesto en solitario por José Luis Avellaneda, que fallecería ese mismo año en el accidente de Motilla del Palancar. Un tema complejo iniciado por una flauta , que da entrada a la voz solista de Poncho, que desgrana un tema cargado de ternura.

Un disco que no es de lo mejor de la banda, más bien lo contrario, pero que su traumática desaparición propició que fuese publicado en una segunda edición tras el fallecimiento de Poncho y José Luis.

En 1992, Carlos y Agustín junto a otros músicos rehacen el grupo y efectúan algunas grabaciones que no tienen continuidad. El 18 de noviembre de 2006 en el teatro granadino Manuel de Falla, su ciudad les rinde un multitudinario homenaje en el que los tres ángeles vivos, con el hijo de Poncho a la batería, vuelven a subirse al escenario.

En 2005 se publicó un disco homenaje a Los Ángeles, titulado “Homenaje a Los Ángeles - Intervenciones estelares“, en el que unos cuantos artistas granadinos rindieron tributo a Los Ángeles.

Entre los participantes en dicho disco tributo estaban J de Los Planetas, Lori Meyers, Antonio Arias de Lagartija Nick, Miguel Ríos, Víctor Lapido y Rafael Amargo junto a Popi González y Pablo G de Manía Stereo, hijos de Alfonso González “Poncho”, líder de Los Ángeles.

Los Angeles, versionados por J, Antonio Arias, Lori Meyers, Victor Lapido, Rafael Amargo, Popi y Pablo Garcia (hijos de "Poncho" Gonzalez, lider y compositor de Los Angeles)

Seguramente otros grupos, como Mocedades, han tenido mejores voces. Otros grupos como Los H.H. han sido pioneros en la utilización de elaborados juegos vocales. Sin embargo, nadie como Los Ángeles ha sabido en España aplicar al pop las armonías vocales. Es un juego de palabras facilón, pero realmente esta gente cantaba como los propios ángeles.

Fuente varias, la más extensa: Julián Molero - lafonoteca.net


lunes, 15 de julio de 2013

Lone Star (1963-2010)


Lone Star

Un muchacho, prácticamente un niño prodigio del piano clásico, es becado a finales de los 50 para ampliar estudios en Londres. Ese muchacho es Pedro Gené y tanto va a ampliar sus estudios que llegará hasta el incipiente rock and roll y los primeros pasos del rock instrumental. Cuando regresa a Barcelona en 1960, Pedro trae una guitarra eléctrica y un propósito en la cabeza: formar un grupo de rock y blues. El proyecto aún tardará en cristalizar y, además de Pedro (voz y guitarra) estarán en él, Enric Fuster (piano), Rafael de la Vega (bajo) y Enrique López (batería). Ensayan en la calle Conde de Asalto, cerca del Liceo y actúan con regularidad en locales como, el Kit Kat, La Cabaña y en el Texas. Allí, conocen a uno de los holandeses errantes que en esos momentos están desembarcando en la Ciudad Condal, el guitarrista Willy Nab, que va a completar el quinteto.

No será hasta 1963, cuando ya gozan de un cierto prestigio local, que serán fichados por EMI para una de sus divisiones españolas: La Voz de su Amo, grabando su primer EP con un número de Elvis, “Todo es parte de ti” como principal reclamo, pero con una inusitada, por aquellas fechas, muestra de rock blues titulada “My babe”. Tras ese disco, Enric Fuster dejará el grupo, que se convertirá, ya definitivamente, en cuarteto. El contrato con La Voz de su Amo incluye una clausula en la que la discográfica se reserva el derecho de elegir la mayor parte del repertorio y durante 1964 se suceden discos de poca entidad y variopinto contenido, alguno de ellos francamente mediocre. Ese año, también va a dejar el grupo Willy para regresar a su país y su puesto como guitarra solista va a ser cubierto por Joan Miró, que con el tiempo se convertirá, junto a Pedro, en el emblema de Lone Star.



A finales de 1964 van a grabar el cover español de “The house of the rising sun”, alcanzando por fin un éxito mayúsculo y vendiendo casi tantos discos como los propios The Animals. Son nº1 en Venezuela. A partir de ahí, casi se especializan en temas de este grupo y otras formaciones británicas de rhythm 'n' blues. Excelentes versiones de “Comprensión” o “Aquí en mi nube” van cimentando la fama nacional de un grupo que con su muñeco indio en primer plano se patea todo el territorio nacional.

En 1966 van a registrar su primer LP en el que tras bastantes tiras y aflojas, consiguen colocar seis canciones propias entre las que brilla “La leyenda” con la que inician su coqueteo con las músicas de procedencias eslava y oriental. En esos años de ensayos diarios y galas en los más diversos escenarios, Lone Star se ha convertido en una auténtica máquina de hacer rock. En esa época la mili de Joan hace que Alex Sánchez ocupe de forma interina la plaza de guitarrista, participando en la grabación de ese LP “Lone Star” (La Voz de su Amo, 1966). Este long play va a acabar de convencer a los responsables del sello de la necesidad de grabar canciones propias y dejarse ya de versiones. Al regreso de Joan, Lone Star comienza a dar conciertos de jazz para públicos minoritarios que asisten sorprendidos a la nueva propuesta del grupo, que, sigue también actuando como banda de rock de primera línea.

En 1968 ofrecen dos conciertos históricos, en el mítico San Carlos Club, de Barcelona, y en el Teatro Beatriz, de Madrid. El show se divide en dos partes. En la primera tocan rock and roll y rhythm' n' blues. En la segunda, Lone Star se transmuta en un grupo de cool jazz con una propuesta que recuerda en algún aspecto al Modern Jazz Quartet, con Pedro sentado al piano y Joan en el vibráfono. El espectáculo es incluido en el microprograma Festivales de España en el verano de ese año. Eso permitirá a Lone Star conseguir unos buenos beneficios y pasear sus músicas por los principales escenarios nacionales. Para contentar a todos, grabarán dos LP, uno dedicado al rock and roll más clásico y otro, al jazz.

De vuelta de tanto ajetreo, aún tendrán tiempo para hacer el mayor hit de toda su historia: “Mi calle”, una extraordinaria canción que marcará su destino y alcanzará un importante número de ventas. Al año siguiente revalidarán su éxito con “La trilogía” premiada por la SGAE como mejor canción española del año. Antes, Enrique López, su batería de siempre, dejará el grupo, entrando Luis Masdeu. Ya con él sentado tras los tambores realizan una larga gira centroeuropea, actuando en Suiza, Alemania, Austria y Francia. De ella regresarán con un album en vivo y cantado enteramente en inglés, que se publicará bajo el título “Spring 70” (EMI Odeón, 1970).


Mientras la mayor parte de sus contemporáneos se retiran de toda actividad musical, Lone Star sigue en la brecha y logra en 1970 su segundo gran hit con “Lyla”. Su calidad y su poder de adaptación les llevan a entroncar perfectamente con el hard rock y la música progresiva imperantes en ese momento. En 1972 grabarán un nuevo disco grande en todos los aspectos: “Es Largo el Camino” (Unic, 1972) y al año siguiente se despacharán con un nuevo disco en directo. Precisamente éste “¡Adelante! Rock en Vivo” (Unic, 1973) será el LP más vendido de su carrera. En el capítulo singles se apuntarán un nuevo triunfo con “My sweet Marlene”. Los viejos rockeros no mueren, pero se cansan y Rafael de la Vega va a dejar el grupo, siendo sustituido por Sebastián Sospedra, bajista que había formado parte de otro excelso grupo catalán: Los Salvajes.

Poco después, otro hombre llamado a ser histórico del rock catalán, Josep María Vilaseca -Tapi- se hace cargo de la batería. Con esta formación remozada, Lone Star ofrece el concierto más importante de su carrera, en 1974, siendo una de las primeras bandas de rock en actuar en el Palau de la Música de Barcelona, templo inviolable de la mejor música clásica.

Tras el fiasco de DIRESA, cuyo director les deja plantados sin pagarles los royalties y las ganancias del grupo, Lone Star está en un tris de desaparecer y en poco tiempo Pedro Gené queda prácticamente solo, al abandonar el grupo, primero Joan Miró y meses después Tapi y Sebastián. Pedro recurre a viejos conocidos, entrando de nuevo Alex Sánchez a la guitarra y Luis Masdeu como batería, cayendo el bajo en manos de Ricardo Acedo. La Estrella Solitaria renace y firma con el sello Phonic, con el que editarán dos nuevos long plays.

En 1978 vuelven a la actividad en plan revival los principales grupos barceloneses de los 60. Se reúnen de nuevo Los Sirex, Los Salvajes, Los Mustang, Los Gatos Negros, Los Cheyenes. Todos menos uno, Lone Star que no regresa, porque jamás se ha ido. Esa es la auténtica grandeza de una banda incombustible, fieles a su estilo y a su destino.


Todavía en 1982 realizarán un concierto memorable ante 120.000 personas en la recta de Montjuic, mano a mano con Eric Burdon, vidas paralelas que se unen en su ocaso musical. En aquella efemérides Lone Star son Pedro, Alex, Sebastián y el nuevo batería Jerónimo Martínez. En esa ocasión sonaron las canciones de su último LP “Viejo Lobo” (Auvi, 1982). Aún continuarán con distintos componentes algún tiempo más hasta disolverse. Incluso, realizarán un serio intento de regreso a mediados de los 90. Es igual, la leyenda Lone Star ya estaba escrita. Otros componentes no reseñados pasaron fugazmente por el grupo y veinte años largos dan para bastante más que un par de folios; sin embargo, quédense con la música de una de las mejores y más honestas bandas de la historia del rock español y, si desean adquirir alguno de sus discos, editados hasta la saciedad en distintos formatos y recopilaciones, háganlo sin mirar, pues cualquiera de ellos es de una calidad generalmente muy superior a la de sus contemporáneos de cualquier época. En 1996 se les rindió un multitudinario homenaje en su ciudad natal en el que participaron, entre otros, Loquillo, Manolo García, Teddy Bautista y Rosendo.

Es imposible hacer justicia en este breve espacio a una banda de esta envergadura y trayectoria. Sólo un detalle final: desde mediados de los 70, se les conoce simplemente como La Leyenda.

Fuente: Julián Molero - laFonoteca.net


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lunes, 11 de febrero de 2013

The Brisks (1963-1968)

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The Brisks [Clic]

Grupo ceutí, uno de los pioneros del rock en España

Al introducirnos en los orígenes del rock en España es normal encontrar grupos que, por multitud de circunstancias y méritos, tienen sus nombres escritos en mayúsculas, y otros que se nombran más de pasada. Tal vez The Brisks pertenezcan a estos últimos, pero aun hoy día recordamos algunas de sus canciones, y es un hecho que por sus filas pasaron figuras importantes de la música que se produjo en años posteriores.

A los pies de la hercúlea columna africana, dos chicos del popular barrio de Villa Jovita y otros del centro de la ciudad formaron este combo estudiantil en los primeros 60, dándose al directo en las fiestas municipales. Podría imaginarse como muy difícil el salto del grupo al resto del territorio nacional debido a su posición geográfica, pero lo cierto es que entonces era menos costoso que ahora, y además contaba con la suerte de que, en aquellos tiempos, Marruecos era un lugar lleno de oportunidades y sitios donde tocar, y la cercana Costa del Sol ya despuntaba como lugar de ocio y no había discoteca sin música en vivo.

Así, The Brisks consiguieron saltar el charco y, tras actuar en diversos puntos de la península, consiguen grabar para la pionera Belter, casa en la que, entre 1963 y 1968, editaron once EP y tres sencillos. En ellos, el grupo hace versiones de populares éxitos extranjeros adaptándolos al castellano, especialmente de The Beatles, junto a otros temas propios, y estilísticamente se mueven entre las diversas tendencias de moda del momento: surf, twist, rock ‘n’ roll, etc.

El grupo se dedica a girar por el país y hacen algunos conciertos también en Portugal, Marruecos e incluso Alemania. Técnicamente eran correctos, nada innovadores o creativos, pero por ello mismo se ajustaban a otra de las tareas que a menudo desempeñaron, como fue la de banda de acompañamiento. Como tal desempeñaron su labor junto a Rocío Dúrcal, Conchita Velasco o Ennio Sangiusto, entre otros.

Su estilo sencillo y candoroso, patente en canciones como “Pepe será papá” o “María Cristina”, les asegura el éxito en los guateques del momento, junto a la cocacola y los gusanitos. Su sello les coloca en un lugar preferente. A medida que avanzaba la década y se imponían nuevas modas, el grupo intentó adaptarse a estas tendencias y llegó a grabar una versión de Jimi Hendrix, “Stone free”. Pero entre la mili y la escasa repercusión, el grupo desaparece en los 70.

Pasados los años el grupo resucitó dando conciertos de nostalgia en la zona de la Costa del Sol, para desaparecer definitivamente en 2004 tras la muerte de Julio Rey, miembro fundador del grupo y uno de los partícipes del retorno junto a José García. El concierto que ofrecieron en su memoria fue la última actuación de la banda.

Seguramente, el mayor interés que podamos encontrar en The Brisks es que por sus filas pasaron algunos destacados personajes de los primeros años del rock español, o involucrados en significativos proyectos, pues el baile de miembros fue habitual. Es el caso de Julián Granados, anteriormente en Los Ángeles Azules -germen de Los Ángeles-, después en Los Buenos y finalmente solista; Pedro Ruy-Blas estuvo en Los Grimm, militó en Canarios sustituyendo temporalmente a Teddy Bautista y más tarde formó el grupo Dolores; Teddy Raster (escrito también Ruster y Rooster) estuvo un tiempo en Máquina! y prosiguió brevemente en solitario. En general, la mayoría de sus componentes dejaron el mundo de la música guardando su paso por The Brisks como un hermoso recuerdo de juventud.

Fuente - Andrés Arevalo - LaFonoteca.net


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